JEFFERSON AIRPLANE: 2400 FULTON STREET

Protagonistas del movimiento de contracultura que cubrió la segunda mitad de los sesenta -en Estados Unidos en un principio, impulsado por el hippismo-, los seis ‘mechudos’ que conformaron esta agrupación se presentaron en nada menos que los festivales de Monterrey (1967), Woodstock y Altamont (1969).

Inclinados desde un comienzo por la música folk, en el periodo de 1967 con la integración de la cantante Grace Slick, se ajustaron como tantas otras bandas a la psicodelía sin perder sus raíces musicales, constituyendo unos himnos para la juventud del momento como “White Rabbit” (inspirada en el LSD) y “Somebody To Love” por sentirse éstos identificados por el carácter ‘hippie’ del contenido de sus letras. Peace and Love Brother!

A partir de la siguiente década empezó a desestabilizarse Jefferson Airplane, tomando desde entonces la banda distintos nombres a causa del poco interés que le dieron varios de sus componentes, teniendo que ser sustituidos. Por ejemplo Jorma Kaukonen y Jack Casady (FOTO) formaron "Hot Tuna": Fantástica banda de Blues-Rock eléctrico y acústico, activa hoy día; de su etapa eléctrica recomiendo sus discos “America’s Choice”, “Hoppkorv” y en especial “Hot Fever” de mediados de los setenta. Jorma Kaukonen ha tenido una exitosa carrera en solitario, además olvide decir que es el intérprete de la fabulosa instrumental acústica (lástima que sea tan cortica) "Embrionic Journey" cuando hacía parte de Jefferson A.

"Somebody To Love", el mayor éxito del grupo en vivo: http://youtube.com/watch?v=sQl0NmY_itI

Esta recopilación que les presento salió en 1987 y recoge sus temas más destacados de los sesenta. “2400 Street“ fue la ubicación en donde estaba su mansión de residencia en su ciudad natal San Francisco, donde se celebraron innumerables fiestas al son de su música, las drogas y el sexo libre, concretando en hechos reales sus consignas líricas.

Jefferson Airplane:

Marty Balin y Grace Slick los cantantes, Jorma Kaukonen y Paul Kantner en las guitarras, Jack Casady bajo y Spencer Dryden en la batería (fallecido hace unos meses o años). Por su lado Paul Kantner y Grace Slick como que mantenían una relación sentimental.

QUEEN: A NIGHT AT THE OPERA (1975)

Este disco condenso el estilo musical de La Reina TAN único y original que la distinguiría para siempre del resto de las agrupaciones. Al mismo tiempo reflejo la versatilidad y grandilocuencia de Freddy Mercury y compañía de sus primeros años. Además da muestras de por qué Brian May fue uno de los más grandes intérpretes de las cuerdas de todos los tiempos...

A comienzos de este año se desató una polémica ante una encuesta radial que daba como ganadora a esta banda británica como la más importante de su país... Así las posiciones hubieran sido cualquiera, como era de esperarse, hirieron el ego de la sociedad musical mundial; en todo caso IRREFUTABLEMENTE Queen ha sido una de los más populares, ahora bien, ¿ese factor garantiza grandeza musical??

Si bien Queen formo por un lado un estilo propio, reconocible a la primera escucha al conseguir sus miembros una sincronización en las armonías vocales únicas en los coros, también se pueden jactar de ser los más volubles al tocar cualquier cantidad de ramificaciones musicales, llegando incluso a mezclar insólitamente el Rock con la ópera; del mismo modo sus cuatro miembros -como en pocas bandas- componían, cantaban y producían, fueron arreglistas de primera, en fin todo esto lo veremos ahorita en ‘A Night At The Opera’ y durante sus primeros discos, NO OBSTANTE su trayectoria para gran parte de la crítica desde los ochenta fue inestable, una total vergüenza a pesar de conseguir más fama entre los fans por sus sencillos.

‘A Night At The Opera’ irrumpe con un inolvidable comienzo del piano clásico de Freddy, siguiendo unas notas de la guitarra de May distorsionadas para dar paso a “Death On Two Legs”, un tema de contenido grosero, vulgar, cantado con una asombrosa furia por Mercury, su autor, que al mismo May le parecía fuerte la letra: Dedicada al ex-manager de la banda que al parecer los había estafado, lo mejor de este tema las notas inconfundibles de la guitarra de May, sello de su Red Special.

En seguida sigue un nuevo tema de Freddy completamente distinto del tipo de McCartney de los años ´20: “Lazing on a Sunday Afternoon”, aquí la voz de Freddy sufre una modificación como de tarro (en el documental de cómo hicieron este disco explican lo complicado que era en esa época lograr ese efecto), divertido tema. A continuación el aporte al disco de Roger Taylor, el baterista: “I’m In Love With My Car”, gran canción cantada por su autor con los efectos del sonido de un automóvil en partes de la canción. El disco empieza a un vuelo altísimo, la secuencia de estas tres canciones es magnífica.

Luego de una pequeña pausa sigue uno de los sencillos del álbum, compuesto por el bajista John Deacon “You’re My Best Friend” (“Tu eres mi mejor amiga”), demasiado Pop pero suena muy bien, el ritmo lo lleva desde su entrada un piano eléctrico interpretado también por el bajista. Algo curioso que dicen en el documental del disco es que a los únicos que les quedan bien estos temas cursis (éste y el anterior “Estoy enamorado de mi carro” entre otros) es a Queen, otra banda se vería ridícula... La razón: Queen con lo pomposo que era no se tomo nunca en serio las cosas, ni siquiera sus más grandes obras.

Ahora el turno es para Brian May, el guitarrista, quién se faja desde la entrada con un encantador ‘riff’ de guitarra acústica que viene acompañado de unas voces para su tema folk ’39 cantado por él: Relata una historia de ciencia ficción en la que un astronauta viaja a conocer nuevos territorios en el espacio y cuando regresa a la Tierra se da cuenta que han pasado 100 años, el estribillo dice algo así : “Don't you hear my call,Though you're many years away,Don't you hear me calling you..."

“Sweet Lady” es compuesta la letra también por May, en este tema rockero Freddy regresa de nuevo a la voz principal. Finalizaba en la grabación original (LADO A) con Seaside Rendezuous: Una nueva canción de Freddy al estilo de music-hall que contiene unos efectos raros que son algarabías de la voz de Freddy ocasionados como relajante a las intensas sesiones de grabación.

Ahora se da paso a una recursividad inusual en el Rock por parte de Brian May al recurrir a distintos instrumentos de cuerda: Primero en “The Prophet Song”, abre y cierra el tema con unas notas de un ‘koto’ (Qué es eso??), un instrumento japonés, seguramente como homenaje a esta población que siempre los quiso desde sus desconocidos primeros años. Luego tenemos en “Love Of My Life” un intro y desenlace hermoso con unos acordes de un arpa (Un arpa!) acompañados por el piano y voz de Mercury que domina todo el tema: Celestial. Luego en la entretenida “Good Company” toca un ukelele, primer instrumento que aprendió a tocar gracias a su padre.

Cabe decir que en el medio de “The Prophet Song” (otro tema rockero), en que se deja la prodigiosa voz de Freddy Mercury con un eco doble y triple, esa parte no es de mi agrado porque se extiende demasiado antes de retomar la canción nuevamente.

Para terminar esta la osada “Bohemian Rhapsody”: Todos sabemos lo que es esta soberbia obra que fusiono el Rock con la ópera, sólo quiero agregar que para la realización de las voces se tomaron únicamente las de los cuatro miembros de la banda, este trabajo se prolongo en siete sesiones de 10 horas cada uno aproximadamente. Culmina el disco con el himno de Gran Bretaña arreglada por Brian May: “God Save The Queen”. El título del disco es el nombre de una película de los hermanos Marx.

Este disco los elevo a la categoría de celebridades, antes sólo habían conseguido uno o dos sencillos exitosos: “Killer Queen” y “Seven Seas of Rhye”. Ahora el reto era enorme en intentar superar o por lo menos igualar este trabajo, no lo lograrían como lo admite Roger Taylor en el documental de este disco, pero su disco posterior, “A Day At The Races”, que parece salió de las mismas grabaciones de ‘A Night At The Opera’, es de un gran nivel musical y también uno de mis favoritos de Queen.

Por último, un especial reconocimiento a Mike Stone, ingeniero de sonido y productor de éste y de sus anteriores discos.

PD: El ´Making of ...´de este disco ya fue subido a la red. El superfanático chileno "Nano Bulsara" de esta banda lo tiene en su Blog. Qué tal esa Web??

“God Save The Queen”

VAN HALEN: “FAIR WARNING” (1981)

Antes del posicionamiento comercial que les represento “1984”, último disco (del mismo año) con su primer vocalista David Lee Roth, esta etapa de la legendaria banda de Hard Rock los caracterizó -digo yo- por realizar espléndidos álbumes que pasaron inadvertidos luego de su revolucionario disco debut.

Hoy Van Halen se vigoriza nuevamente al retornar a los escenarios la formación original (después de más de 2 décadas) con la integración de un nuevo miembro de la familia: El hijo de Eddie con tan sólo 16 años, Alex Van Halen, ocupa el lugar de Michael Anthony en el bajo.

Imágenes de septiembre 2007 (Fotos VH Web Official Septiembre 2007).

Si a finales de los setenta Eddie Van Halen replanteó la forma de tocar la guitarra con la técnica del ‘Tapping’ e influiría a los demás músicos anticipando el sonido de los siguientes años, en los ochenta daba nuevos lineamientos musicales al Hard Rock incorporando los sintetizadores que tendrían su pleno desarrollo en “1984”. En “Fair Warning” se dan los primeros avances de este uso electrónico en el tema “Sunday Afternoon In The Park”, que tiene su continuación en “One Foot Out of The Door”, cierre del disco con un final de Eddie de chupete retomando la guitarra... Para volver a poner a sonar!!


Pero vamos al principio, el enganche del disco: Esos ‘Riffs’ de Eddie son sensacionales, ¡ese de presentación del disco!, o de “Dirty Movies” o qué me dicen de “Sinner’s Swing”. Eddie no sólo destacaría pos sus ‘solos’ sino también por esto y por la guitarra rítmica a medida que avanzaban los temas.


Es curioso que sus primeros seis álbumes de estudio, con David Lee Roth en la voz principal, creo que ninguno de estos supera los 35 minutos de duración; “Fair Warning” es el más corto: Escasamente 31 minutos y es el que más rockea. Pareciera que eran en exceso selectivos con el material que iban a entregar a sus fans en un disco, ¿o se quedaban cortos y apenas lograban sacar lo suficiente?? En todo caso lo que quedo de esos años permanecerá en el tiempo en vez de esos temas de relleno que cantidad de bandas proporcionan en sus discos, desperdiciando minutos que en muchas ocasiones si los ignorarán alcanzarían a producir un gran álbum.


Un elemento fundamental en este agrupación también es Alex Van Halen, que no se podía quedar atrás con la batería al ver que su hermano Eddie progresaba en el manejo de su instrumento, así que ha medida del paso de los años agrego cada vez más elementos de percusión y para este disco está a la altura de su propuesta. Como anécdota quiero contar que cuando ellos eran adolescentes fue Eddie quien se interesó primero en tocar la batería y se compró una que iba pagando por cuotas, lo que no sabía era que su hermano aprovechaba para aprender a tocarla mientras él trabajaba para pagarla y luego, cuando descubrió que Alex lo superaba en su interpretación, se decidió por la guitarra. Menos mal Je Je.


Por su parte Michael Anthony, el bajista, siempre Ted Templeman (el productor) lo resaltó, no dejándolo en segundo plano como si sucede con otros grupos y juega un papel esencial en la sección rítmica junto a Alex; y David Lee Roth (DLR o “Diamond Rave”) me parece un fantástico vocalista y era un loco frente al público.


Un factor de distinción de la banda y que a mi particularmente me fascina son los coros de Eddie y de Michael (ejemplo Van Halen II) y en este disco se recuperan luego de su experimental predecesor “Woman and Children First” (1980): En ese disco Eddie se dio el gusto de hacer lo que quisiera con su instrumento, puedo imaginar lo aburrido que se debió sentir DLR en su grabación, esa es una de las razones por las que los fans les parece poco atractivo este disco aunque debería ser lo contrario...


¿Qué más puedo decir aparte de las críticas que dejaré de enlace a continuación? Aquí encontrarán Buen Hard Rock, es mi favorito de la banda y no soy el único que ha llegado a la misma conclusión:

• Detalles de su grabación y de sus letras.

• Publicación de Supermusic Index

• “Fair Warning” por Vankier.

• Página en español dedicada a Van Halen

DAVID BOWIE: “ZIGGY STARDUST THE MOTION PICTURE” (1973) CONCIERTOS QUE MARCARON LOS SETENTA (ÚLTIMA PARTE)

El Camaleón sellaba esa noche el ciclo que lo proclamó el máximo representante del Glam Rock. Quería seguir un renovado rumbo que, a la postre, sería una constante en su carrera. Al personaje que había forjado (su alter ego) y a su banda “Ziggy Stardust & The Spiders From Mars” daba fin, tomándose a pecho abandonar luego a estos músicos con los que había grabado los álbumes que lo convirtieron célebre, entre ellos el elogioso guitarrista Mick Ronson.

Uno podría pensar a primera vista que esta presentación ofrece la obra conceptual del disco en estudio “Ziggy Stardust”, catalogado como la obra cumbre de este británico, VALGA DECIR UNO DE MIS GRANDES ÍDOLOS, pero no es así, por lo menos no sólo eso en parte: Es un compendio de algunos de sus éxitos, con unos covers que David Bowie había ayudado a producir (“All The Young Dudes” de Mott Hoople y “White Light/White Heat” de “Velvet Underground”) y otros temas que desconozco su procedencia, bueno podrían ser de su primer LP que me hace falta escuchar: “My Death” y “Wild Eyed Boy From Freecloud”.

Este ‘medley’ me gusta mucho al fusionar tres temas en uno, pienso que levanta el concierto “Wild Eyed Boy From Freecloud”/“All The Young Dudes”/ “Oh! You Pretty Things”

El vídeo contempla la transformación estética del artista, donde la asidua mudanza de ropa y maquillaje brindaron vida a ‘Ziggy’, sin embargo decepciona su pésimo sonido: Por momentos de veras no se cree que sea el mismo concierto que uno está escuchando y viendo. En mi caso es una dicha que hubiera descubierto primero el material de solo audio (viene con el DVD) que sí es óptimo en lo sonoro, considerándolo uno de los mejores espectáculos realizados jamás musicalmente.

David Bowie para ese entonces ya había hecho música espléndida, por ello no es para nada exagerado la concepción que Isaac David otorga de él, que se atribuye a estos primeros discos fundamentalmente: Para no repetir lo del ‘manito’ invito a leer su Web. Sólo quiero agregar que su acertada versatilidad me deja deslumbrado: De Folk (“Space Oddity”, 1969) paso a Hard Rock en estado puro (“The Man Who Sold The World” 1970, mi favorito del artista), después ¡Pop! (“Hunky Dory” 1971, clásico para muchos...) y luego una mezcla de Rock and Roll al estilo de los Stones con pop, jazz, etc. (“Ziggy Stardust” tiene brillantes arreglos y “Aladdin Sane”).

En el momento de este concierto “Aladdin Sane” estaba pegando fuerte, el repertorio de esta gira contenía varios temas de este álbum: “Watch That Man”, “Cracked Actor”, “Time”, el cover de los Rolling Stones “Let´s Spend The Night Together” (en lo personal -tengo que decirlo- no me gustan los covers que hace Bowie, por ejemplo el que haría de John Lennon “Across The Universe” en 1975 me parece ¡horrible!, no me quiero imaginar “Pin Ups”).

Vale la pena agregar que Mike Garson, tecladista, gran protagonista del “Aladdin Sane”, lo acompañaría en esta gira junto a “The Spiders From Mars”, que contaban -como decía- con Mick Ronson, quien contribuía al sonido espacial e hipnótico de este concierto a causa del particular sonido de su guitarra eléctrica.

“Moonage Daydream” es un momento que yo lo clasifico ‘histórico’ en el Rock por ese ‘solo’ de guitarra de Ronson con el que culmina.

La puesta escénica del camaleón es impactante, la teatralidad, un auténtico Rock Star, su voz que presenta distintas tonalidades la he considerado un instrumento importante dentro de su música (alguna vez leí algo así que esa era su intención al igual que para Jimi Hendrix). Dentro y fuera del escenario siempre revela una enorme personalidad, por eso es que supongo ocupo el quinto lugar en un Top que salio hace unos días de "Los 50 hombres con más estilo de los últimos 50 años", realizado por por la revista GQ en Estados Unidos.

“Width of a Circle”, hito inicial de “The Man Who Sold The World”, este tema es fuerte, en el medio hay un improvisado ‘solo’ de guitarra y percusión que se acelera al punto que las primeras veces que lo escuché al máximo nivel de volumen me dejaba sordo. Se los juro.

Parte 1

Parte2

Este concierto tuvo lugar en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. En su tiempo no fue famoso porque salió publicado una década después. El primer disco oficial en vivo de Bowie fue David Live! de 1974: De avalada reputación, incluiría temas de su siguiente trabajo “Diamond Dogs”, pero cuenta con otra alineación de músicos.

En la actualidad es una tristeza que el nombre de David Bowie pase desapercibido en la industria de la música, y sí -qué rareza- se destaca en el campo tecnológico (no recuerdo por qué). Pero fue sin discusión uno de los más innovadores a comienzos de los setenta de la música, quiero dejarlos con una publicación nostálgica del camaleón de su grandeza en esos años (tiene 100 comentarios ese post!!!!!!!!!!!!!!).

Y “Life On Mars?”, “Starman”, “The Jean Genie”, “Drive On Saturday”, “Five Years”, que hacían parte del repertorio de la gira, quedaron por fuera en su último concierto. Qué importa. Los dejó con una de las mejores canciones del siglo pasado “Ch Ch Ch Changes”.

"Not only is it the last show of the tour, but it's the last show that we'll ever do. Thank you", Ziggy Stardust.

Galería de Fotos del show de "Ziggy Stardust".

No podía concluir este especial “Conciertos que marcaron los setenta” omitiendo el concierto de The Who “Live At Leeds” de 1970. Pensaba que era del ’69, pero iba decir que se consiguen ‘bootlegs’ o discos no oficiales en vivo de sus presentaciones de los setenta. Además ya hice una entrada a este banda. Por qué lo cito? En general este concierto es una celebración a la música Rock : Tocan con una intensidad sus integrantes... Este concierto ha desplazado a mis ultra archifavoritos “The Rolling Stones” a pesar que estoy ahorita conociendo su disco “Some Girls” que también es muy bueno y conozco sus clásicos.

Ahora bien, a comienzos de esa década el teatro de Fillmore tuvo el privilegio de presenciar unos superconciertos, para citar sólo dos: a la banda “Humble Pie” y “The Allman Brothers”. Ahora que veo esto hubiera sido mejor denominar este especial “Conciertos que marcaron el transcurso de los setenta”, porque a comienzos de la década se llevaron a cabo muchos trascendentales que no hable y en cambio me dediqué ‘a hablar carreta‘ de los más comerciales y a los que personalmente considero imprescindibles que se dieron durante esa década.

Eric Clapton, 461 Ocean Boulevard (1974)

Injustamente tildado, cuando apenas salió a la venta, con opiniones nada alentadoras -al igual que ha sucedido con otros discos ¡de por Dios!!-, a medida del paso del tiempo sus menos preciados críticos tuvieron que tragarse sus palabras iniciales, a tal punto que hoy lo consideran ‘primordial’ dentro de la basta discografía de este guitarrista ilustre que ha dado el Blues y el Rock.

También yo llegué a aborrecer este álbum en las primeras escuchas... Éste preliminar juzgamiento -¿equivocado?- se fundamenta por lo siguiente: En los ’60 e incluso en su pasado álbum “Layla” (uno de mis grandes favoritos de todos los tiempos), este inglés había llevado el Blues (música tradicional americana, su principal influencia musical como para muchos músicos de su país de esa generación) a niveles inimaginables, impregnándole psicodelía en la era de Cream por ejemplo, pero principalmente este género -cómo decirlo- lo tocaba eléctrico disparatadamente fuertísisimo. En especial en vivo.
No en vano en Londres en aquella época habían grafittis regados por las calles que rezaban una sentencia que lo elevaba a la categoría de ser supremo: “Clapton is God”. Bien, ahora Sir Eric Clapton presentaba “461 Ocean Boulevard” que inesperadamente contaba con todo lo contrario de lo que lo había distinguido: Es un disco calmado que si se lo ponen a su madre (trato de decirlo con cariño) no va a irritarse, con seguridad se va a mover si le encuentra el ritmo a los primeros temas que constan de una diversidad palpable (incursiono inéditamente, entre otros, en el terreno del reggae al versionar I Shot the Sheriff de Bob Marley).

Además, diría que el nivel de escucha es diferente a los discos que he hecho referencia en este Blog: Lo resumo en una experiencia placentera que consta de suaves pasajes, logrados en parte al sonido de un ‘dobro’ (suena casi idéntico que una ‘Steel Guitar’) en tres temas “Gimme Strength”, “Please Be With Me” y “Let It Grow”: Temas relajantes, las dos últimas son lindas baladas compuestas por Eric.

Por otro lado, para mostrarles a sus fans que no había abandonado sus raíces musicales recobra dos temas bluseros: El infaltable de su ídolo Robert Johnson (“Steady Rollin’ Man”, me llama la atención el sonido de la guitarra en el ´solo´) y el otro de Elmore James (“I Can’t Hold Out”). El resto es una mezcolanza de música ‘country’ y otras cosas atractivas en cada nueva escucha.

Al final de varios temas se alcanza a notar lo bien que la estaban pasando en su grabación. La edición de lujo, que salió en su 30 aniversario, incluye material extra de esas sesiones (´jammings´) y parte de la promoción del disco que recoge -lo mejor supongo- de dos de sus presentaciones de esa gira. ¿Sería loco decir que el final de ´Let It Grow´ se asemeja al de "I Want you She´s So Heavy", genialidad de Paul/Lennon como todo el disco "Abbey road" de los Beatles??

Es importante decir que este fue el primer trabajo que ´Slowhand´ (así también se conoce a Clapton) grabo libre de la heroina que lo mantuvo inactivo los primeros años de esta década, luego de internarse en un centro de rehabilitación (gracias a Pete Townshend, guitarrista de The Who). En cuanto se recupero de este vicio se hospedo en Miami y el título del álbum sería el nombre de la calle en donde estaban ubicadas estos estudios de grabación. Todo ello debio conrribuir a este producto de índole sosegada.

El gusto por este nuevo estilo marcaría el resto de su carrera y desde entonces para complacer a sus fans que ansiaban al Clapton ‘endemoniado’ de sus primeros años de éxito, tocaría sólo en directo algunos chispazos de su repertorio pasado. También fue a partir de este trabajo que Clapton se rodearía de buenos músicos que si bien, no tienen el reconocimiento de sus ex compañeros de banda de los ‘60 como Ginger Baker, Jack Bruce, Duane Allman, entre otros, sí realzaron sus producciones como en este disco. Fin.


Información complementaria sobre este disco en la apreciación del excelente crítico Alberto Manzano, director de la Web El Almacen del Rock.

PD1: Supongo que fue por estos años, lo escuche en una emisora tropical hace unos años, que ‘Slowhand’ mezcló su guitarra con un importante representante de la música ‘salsa’. Seguramente algo parecido a lo hecho por Santana a finales de los sesenta.

PD2: Si no lo ha hecho, lo invito a votar arriba en la columna de la izquierda sobre qué le parece este Blog. NO TARDA UN MINUTO DE SU TIEMPO.

PD4: He vuelto a retomar dos discos de Led Zeppelin (los que leyeron el anterior post saben de la razon de mencionarlo ahora): el “IV” y “Houses of the Holy”; por otro lado, una nueva banda que estoy conociendo por estos días es “Love” con su disco “Da Capo”.

CONCIERTOS QUE MARCARON LOS SETENTA (TERCERA PARTE)

LED ZEPPELIN, “THE SONG REMAINS THE SAME” (1973)

El ostentoso talento de Jimmy Page con la guitarra, tanto eléctrica como acústica, se propagaba a pasos gigantes desde que constituyo esta formación de ensueño a finales de los sesenta. Led Zeppelin de su mano había producido cinco álbumes que impulsaron su fama mundial como ninguna otra en ese momento -hey, todavía!-. Celebrado en el Madison Square Garden de New York, éste fue el único material oficial en vivo puesto al público mientras estuvieron activos.

Es grato hacer por estos días un post sobre una de las bandas de Rock más importantes de todos los tiempos, debido a que han vuelto a encabezar las portadas de los medios de música: Ante todo se conoció de un único reencuentro que se llevara a cabo en Londres, después de varias décadas, en aras de apoyar una causa benéfica; por otro lado, se lanzarán dos nuevas publicaciones con la novedad en uno de ellos de ofrecer material inédito de su presentación de la que estamos haciendo referencia, incluyendo uno de mis temas favoritos de la banda, The Ocean.

El vídeo de arriba es un homenaje a este mítico cuarteto que quiero compartirles: ofrece imágenes de ellos acompañadas, como estimulante sonoro, de la canción original “The Song Remains The Same”, también una de mis favoritas de ellos, con la que abre su quinto álbum “Houses of The Holy”. Este documental, habrán notado, se titula de la misma manera que la canción; como se puede ‘ver’ su propósito, aparte de su puesta escénica, consiste en mostrar los roles de cada uno de los miembros fuera de la banda y capturar el momento de los cuatro músicos antes, durante y después del concierto.

Pasemos ahora sí al concierto. Una simpática descripción de lo que nos encontramos aquí.... Recomiendo ese Blog; hablando en serio mi opinión:

Son tantos aplastantes hits que compusieron, no igual puedo decir de sus álbumes a excepción de los dos primeros, por esta razón y porque además no me satisfacen totalmente (no sé qué es.. ¿Su estilo a veces?..) no están entre mis 10 grupos favoritos, en un Top 20 sí seguro: Aunque en el tercer disco me parece que salen bien librados en su intromisión en el terreno del folk, así sea que a algunos les parezca el más flojo; el IV en cambio, con la admiración que la mayoría le da a este disco, PERDÓNENME DE VERAS SI NO HE SABIDO APRECIAR ESTE DISCO, pero para mí esta muy sobrevalorado y sólo rescato sus tres temas más conocidos: Blag Dog, Rock &Roll y Stairway to Heaven (clásico); y en “Houses of The Holy” las tres primeras me fascinan junto con “The Ocean”, el resto del disco menos que más...

Y hay voy con la discografía del grupo, siguiendo cronológicamente sus trabajos, llegando a este concierto que en su tiempo fue lanzado tres años después de su realización. Pues todos los aplastantes temas de sus cinco primeros trabajos están aquí y en realidad no sé si me arrepienta de haber visto este concierto después de conocer sus primeros trabajos, porque la desenvoltura en particular de Jimmy Page en el escenario con su instrumento es bestial, su guitarra eléctrica suena mejor aunque por momentos se queda corta como en el solo de Stairway To Heaven y allí uno si puede notar los arreglos que tiene este tema en estudio, ademas que no se apoya en otro guitarrista como si hace por ejemplo Jeff Beck. Como consecuencia le toca hacerlo todo: Guitarra rítmica, ‘solos’, aquí pierde un poco de encanto la música si se le compara con sus trabajos de estudio (Black Dog fue elegida hace poco por especialistas como la mejor cancion de guitarras de la historia...). Reitero, no obstante, el sonido de su guitarra pienso que suena mejor en vivo.

"The Rain Song" de la película

Bonham consolida ser uno de los mejores bateristas del mundo (para muchos el mejor, debe ser que no han escuchado a Keith Moon de The Who sobre la tarima ...) sonando sólido, fuerte, a causa de su inusitada agilidad para tocar las partes de su instrumento. A Jonh Paul Jones se le ve en su doble faceta como músico intercalando su bajo por los teclados. Debo decir que en “No Quarter”, en donde Jones se roba al comienzo del tema el protagonismo de Page, es un tema que no me termina de convencer, aunque en esta versión en vivo Page suena mejor que la versión de estudio y prolonga su ‘solo’ en la segunda mitad y sobre el final del tema. Y la voz de Robert Plant, el frontman, no me parece que este quemada como se lo he escuchado a más de uno que conoce también este concierto.

Led Zeppelin en vivo se prestaba, como se puede ver en esta película, para que Page y Plant experimentarán con sus instrumentos sacando reverberaciones de su instrumento, jugando con los efectos que eso produce. Page también confirma los rumores de que esos sonidos raros de su guitarra en el primer disco son ciertos, tocando en el medio de “Dazed and Confused” su guitarra con el arco de un violín y seguidamente se lanza un ‘solo’ extremadamente largo y excitante que anima a la gente a aplaudir en su final, esta es la parte central de todo el recital de la noche.

"Since I've Been Loving You", ese ´RIFF´ de Page de entrada es demasiado pasado

Queda por decir, para no seguir hablando tanta carreta, que en la penúltima canción el show se lo lleva Bohnam en “Moby Dick”, sólo que aquí la versión que había presentado para el segundo disco la prolonga por catorce minutos. Como particularidad de este ‘solo’, Bonzo toca con la palma de sus manos unas congas antes de retomar con las baquetas los demás elementos de percusión.

Como pueden leer he disfrutado mucho este concierto, sin embargo los temas acústicos que nos presentan en sus trabajos de estudio no están, incluso Stairway To Heaven fue tocada todo el tiempo con una Gibson eléctrica de doble mástil. Según me han comentado, en otra época como la grabada en su concierto How The West Was Won, estaban en mejor forma, habrá tiempo después para eso.

PD: ¿A qué horas me metí en esto de los Blogs?