sábado, 16 de febrero de 2008

AC/DC: "BACK IN BLACK", (1980)


Una carátula negra titulada “De regreso en negro” que contempla en su contenido musical unas campanas que retumban como presentación. A medida que avanzan los redobles metálicos, un riff de guitarra aparece acompañado más tarde de otro y otro más, mientras los platillos de la batería presagian un demoledor tema.. De pronto el tema ha tomado forma, aparece la voz esperanzadora de Brian Johnson, su nuevo vocalista…

Guau! Qué soberbio homenaje a su recién fallecido integrante que volver con un disco igual de clásico a su antecesor “Highway To Hell”.
Estaban de luto (Back In Black”) pero eran los mismos rockeros de siempre. En ese entonces, la popularidad del grupo australiano se acentuó, contra los incrédulos pronósticos; hoy, se ha afianzado como el segundo álbum más vendido de todos los tiempos. Bon Scott debió celebrar en el infierno este logro, como ahora por permanecer unidos sus integrantes.


Y es que haber perdido al frontman de sus primeros años -cuando lograron el reconocimiento mundial- debió ser garrafal. Seamos francos: Su fuckin´ voz y las guitarras estridentes de los escoceses Angus y Malcolm Young eran la identificación de la banda, no se podía concebir de otra manera. Yo lo considero el mejor vocalista que tuvo alguna vez el Rock.


El hecho fue que se recompusieron (sacando fuerzas quién sabe de donde) para continuar con otro vocalista el legado edificado hasta el momento. El productor John “Mutt” Lange”, responsable del éxito de su último trabajo, los guiaría en esta transición del inicio de la nueva etapa de la banda. La elección del sustituto no pudo haber sido mejor acertada que aquel que Bon Scott había ovacionado en una inconsciente predicción de su futura ausencia: Un tipo que cantaba en un tal grupo de nombre "Geordi".


La pieza que da titulo al álbum (tiene uno de los mejores riffs iniciales creados en la historia del Rock) y “Have A Drink On Me” son claros tributo a Bon Scott, manteniendo AC/DC el humor e insustancial contenido en las letras, contando con Brian Johnson en su elaboración.

En este Blog una mirada general del contenido de cada de las canciones de este disco.



En cuanto a mi opinión personal del “Back in Black”, fue su punto de creación más alto, sin la intención de desestimar sus siguientes y pasados trabajos. De hecho siempre han conservado un estilo simple y monótono que aplaudo inexplicablemente. No obstante aquí me parecen todos los temas UNA CHIMBA!: Modelos ejemplares de Hard Rock, nunca antes igualados ni después superados por la banda. “Shoot To Thrill” el mejor tema. Contiene además un tema melodioso, “You Shook Me All Night Long”, el único que les he escuchado en su carrera. Ese solo de Angus en "Shake Your Leg"!! ¿Han escuchado la POTENTE voz de Brian al ponerlo a un alto volumen en sus oídos??

¿Cómo habrán logrado tanta inspiración luego de ese revés que les dio la vida? En este reportaje de Sergio Rodríguez parte de esa respuesta: Pormenores desde el momento en que se enteran de la trágica muerte de Bon, pasando por la búsqueda de su sucesor, las grabaciones del álbum, etc.



LES ACONCEJÓ VISITAR LOS DEMÁS LINKS QUE ESTÁN EN EL TEXTO

PD: Los fans de esta banda estamos a la espera de su nuevo trabajo que según parece dará la luz se espera salga este año acompañado de una gira mundial al que anhelo asistir alguna vez en mi vida.
Cabe decir, no obstante, que “Highway To Hell” me gusta cada vez más.

Web en español dedicada a la legendaria banda.

Aquí crónicas de sus presentaciones de su última gira.

Por ultimo, una aterradora versión de Shakira de "Back In Black"


For Those About Rock I Salute You! Comment!

miércoles, 30 de enero de 2008

THE BEATLES (White Album), 1968

De su retiro espiritual a la India, lejos del acoso de los fans y la prensa, se gestó la lucidez de este doble LP de los Fab Four. Las discordancias entre ellos -desde entonces- los llevo a componer por separado, derivando en un resultado indefinible e inaudito si notamos que en pequeñas piezas cubre la música POPular Universal en su totalidad: Cualquier género está reunido (hasta Heavy Metal!); discutible en todo caso la calidad de un montón de estas piezas.

Era claro que para el cuarteto de Liverpool, al igual que otros grupos, en 1968 quedaba atrás la etapa psicodélica de la cual se habían apropiado el año anterior como manifestación de una época. Las temáticas y los estilos musicales en los que se sumergió cada `beatle´, serían una extensión de su carrera musical en solitario a largo plazo (corto plazo más bien, unos dos años).


Ahora bien, en 30 canciones no se puede pedir un elevado nivel musical parejo, obviamente abunda material sobrante. De todas maneras en el primer lado George Martin, quizá el mejor productor del mundo, seleccionó una seguidilla de canciones (hasta “Piggies” creo yo), enlazándolas de tal forma que es difícil dejar de prescindir de alguna si se toma por ese enfoque por el que fue conceptualizado el disco (de ser heterogéneo).



De ahí para adelante las descarto todas (también fuera “Wild Honey Pie”) con excepción de la última “Julia” de John (en el que revela su lado sensible cantándole a su madre fallecida): “Rocky Racoon”, “Why Don´t We.., “I Will” (idéntica a "Till There Was You") autorías de Paul; la primera contribución y única en este disco de Starkey a la banda de corte country “Don´t pass Me By”. En el segundo disco para mí hay menos material de relleno: Sólo los dos aportes de George Harrison en este lado “Long Long Long” que va por su lado místico y “Savoy Truffle”, ésta última tiene algo como cómico pero no termina de llenarme y de pronto “Cry Baby Cry” de Lennon.





A pesar de todo ese relleno el resto de temas son encantadores. Paul McCartney conserva la genialidad como compositor y como intérprete del bajo en todas las canciones (ASESINO su bajo en “Everybody Got Something…”), ratificando en sus canciones ser el más prolífico y variado del cuarteto, considerándolo uno de los músicos que ubico en el podio de los mejores del siglo pasado: Mucha energía en los temas que abren cada lado del doble disco “Back in the USSR” y “Birthday”, su intento por hacer reggae “Ob La Di Ob La Da”, su característico Pop en “Martha my Dear”, la hermosa acústica “Blackbird”, Heavy Metal con “Helter Skelter” luego de basarse en una reseña de The Who, music-hall de los años ´20 con la espectacular “Honey Pie”.



Lennon por su parte se dedico más que todo a escribir de las anécdotas vividas en el curso de meditación trascendental con el Maharishi. Sobresalen: “Dear Prudence”, un riff fascinante de entrada (versionado por Jerry Garcia cuando salía con su grupo alterno de los "Grateful Dead"), “Happiness Is A Warm Gun” son cuatro cortes unidos en uno sólo, asombroso!, “Yer Blues” compuso por primera vez un blues y con la ayuda de los demás conformaron un fenomenal tema (me encantan los solos de guitarra), “Sexie Sadie” de referencia explicita al Maharishi, sus ideas políticas a lo que estaba pasando en el mundo en “Revolution”, ese experimento de “Revolution 9” me parece interesante, no me quita un instante la atención, contrario a lo que la mayoría le parece. El final mágico, como una canción de cuna, dedicado a su hijo, “Good Night”.



Y Harrison nos presenta una de las mejores canciones del disco que tiene un fenomenal solo de guitarra (que de verdad `llora´) a cargo de su amigo Eric Clapton en “While My Guitar Gently Weeps”, también expresa un mensaje social en “Piggies”. Esta fue mi mirada general del extenso álbum, como verán hubiera preferido un doble álbum de menos largo (son 93 minutos, una hora y media de duración! Demasiado!).

Recomiendo los siguientes enlaces:

Maravillosa descripción de este álbum por DrMusicStudio. Me dejo literalmente casi sin palabras para esta publicación.

Aquí hallarán frases de los propios miembros de la banda, el ingeniero de sonido Chris Thomas, George Martin, entre otros, sobre las grabaciones, las canciones terminadas, etc.

Si quieren profundizar más en el contenido de los 30 temas está es la pagina apropiada.

domingo, 30 de diciembre de 2007

Rolling Stones: "Some Girls", 1978

Atiborrado de guitarras eléctricas, este trabajo de Sus Satánicas Majestades fue el más fuerte que lograron a esa fecha: Querían reinvindicar su título de “The Greatest Rock & Roll Band in the World”, el cual se había puesto en duda ya varios años y que el recién formado movimiento Punk –en alza- no hacía más que restregarles que su estilo -al igual que todas las bandas clásicas- estaba mandado a recoger ¡Qué se creían!


Para su labor hoy uno se da cuenta que fue fundamental la entrada oficial de Ronnie Wood (FOTO) al grupo en reemplazo del monstruoso Mick Taylor, oxigenando con nuevos aires de Rock & Roll a la banda (no quiero decir que su antecesor no fuera capaz...), pues por primera vez participa en todos los temas grabados y seleccionados del disco y junto a las guitarras de Keith Richards y de Mick Jagger -que también es la primera vez que se atreve a tocarla- y (cómo no!) LA BATERÍA de CHARLIE WATTS consiguen un disco que rockea a diez mil por hora, en las tres cuartas partes (3/4) del disco.


Me refiero por supuesto a “When The Whip Comes Down” (ese coro es bueno), “Lies”, "Lies ", "Lies" (Me encanta), “Some Girls” (Al parecer la relación de Jagger con Jerry Hall no pasaba un buen momento y su experiencia con las mujeres le daba para confesar ´algo´ de ellas), e indiscutiblemente “Respectable” (Este tema acaba con cualquiera de los Sex Pistols y no es que el Punk no me guste sino que esto es rockear de verdad!!!).


Por otro lado, para compensar con algo de variedad el disco tenemos primero en el álbum el fenomenal tema ´disco-rock´ “Miss You” (La música ´disco´ empezaba también a meterse con fuerza y muchas bandas se adaptarían a ese tipo de música y hasta ahí HASTA AHÍ llegaría el Rock… Los Stones la hacen tan suya y hacen un tema memorable que invita a moverse al son de su ritmo tipo Funk): La ubico entre los 30 mejores temas de la banda junto a también del mismo álbum “Beast of Burden”: Una excepcional balada, que rompe con todo lo escuchado hasta ahora… Ese riff con el que empieza me corta la respiración… todo el tema es maravilloso, los ganchos de las guitarras.



Keith Richards también la saca del estadio (Hace un Home Run! si no me entienden) con el que hasta ahora para mi (no conozco toda la discografía del grupo) es su mejor aporte como vocalista y compositor al grupo, “Before They Make Me. “Far Away Eyes”, es un ´country´ tratado por los lados del humor, esta vez de Mick Jagger y sirve de descanso para el tema más enérgico del álbum “Respectable”.


DESTACABLE lo que hicieron con el clásico de The Temptations “Just My Imagination”: La convirtieron en Rock suave!. Voy a tratar de subir la versión original para que los que no la conocen noten la proeza de los Stones con este tema; aprovecho para manifestar mi profunda admiración por toda esta música de Rythm ´N Blues de los sesenta como además de “The Supremes con Diana Ross”, “Jackson Five”, “The Four Tops”. Tengo Motown#1´s que recoge los principales éxitos de la discografía de la música negra de Estados Unidos desde los ´60 (Claro que los últimos temas que son los más recientes no me gustan y son los únicos que se conocen en Colombia… En fin, tengo que ver la película Dreamgirls”!)


Y “Shattered” si no sé como interpretarla(PD: No es desagradable en todo caso): es una mezcla inclasificable, empezando que la guitarra rítmica suena bien rara, bueno es el cierre del disco.


Yo he quedado más que satisfecho con este disco “It´s Only Rock and Roll But I Like It”… e incluso digo que lo único que le pueden faltar a los Rolling Stones, MI BANDA FAVORITA, es despedirse de la música con un disco de esta altura, que incluso puede competir con los de su era dorada (1968 67-1972), así como se lo propusieron los Beatles superando incluso toda su anterior obra (esto es un poco atrevido de mi parte) con “Abbey Road”, su despedida.


Claro que a pesar de que buena parte de la crítica quedo también conforme con este disco como yo, personas especializadas en la música como Federico Fernández le encuentra sus contra, entre otras cosas que todas las canciones le suenan lo mismo, no hay novedades (tiene algo de razón pero disiento de todas maneras de varias cosas que dice. “It´s Only Rock and Roll and I Like It”, repito)

En este completo informe de ´Letitbleed´ encontrarán en qué andaban los integrantes del grupo antes de las grabaciones del álbum, parte de lo que hablan unas letras del disco en español, detalles de la carátula, entre otras sorpresas...

PD: A Bill Wyman lo ubico relegado en este disco, dado la predominancia que le dieron a las guitarras; años después vendría su desquite en el infravalorado “Undercover” con una labor excelsa, superior a sus demás compañeros. No es una sorpresa: Desde la formación del grupo se mereció ser parte del grupo y la importancia de su trabajo (hasta que se largó) se refleja hoy día al no encontrarle los Stones un reemplazo de su talla...

PD: Este post es para Manolo que como me dijo que me había olvidado de los reyes del Rock al hablar de otras bandas…, pues no. Feliz Estadía en Colombia y Feliz Año!!

martes, 11 de diciembre de 2007

LED ZEPPELIN: 10 DE DICIEMBRE 2007 EN EL ARENA O2


Cerca de 20 mil fueron los afortunados que presenciaron su único reencuentro. Al parecer fue un rotundo éxito. Los ¨blogger¨ Perem1 y San FreeBird dan enlaces externos de varios medios electrónicos del concierto. En la penúltima entrada por este año sólo quiero dejar el vídeo de "Stairway To Heaven" (En YouTube.com hay más y irán saliendo más).




Feliz Navidad a Todos! Gracias por su visita, seguiré.., sigan dándome palo (criticas constructivas) de lo que escriba que como verán tengo muuuuucho todavía que conocer (escuchar).


martes, 27 de noviembre de 2007

JEFFERSON AIRPLANE: 2400 FULTON STREET

Protagonistas del movimiento de contracultura que cubrió la segunda mitad de los sesenta -en Estados Unidos en un principio, impulsado por el hippismo-, los seis ‘mechudos’ que conformaron esta agrupación se presentaron en nada menos que los festivales de Monterrey (1967), Woodstock y Altamont (1969).


Inclinados desde un comienzo por la música folk, en el periodo de 1967 con la integración de la cantante Grace Slick, se ajustaron como tantas otras bandas a la psicodelía sin perder sus raíces musicales, constituyendo unos himnos para la juventud del momento como White Rabbit” (inspirada en el LSD) y “Somebody To Love” por sentirse éstos identificados por el carácter ‘hippie’ del contenido de sus letras. Peace and Love Brother!

A partir de la siguiente década empezó a desestabilizarse Jefferson Airplane, tomando desde entonces la banda distintos nombres a causa del poco interés que le dieron varios de sus componentes, teniendo que ser sustituidos. Por ejemplo Jorma Kaukonen y Jack Casady (FOTO) formaron "Hot Tuna": Fantástica banda de Blues-Rock eléctrico y acústico, activa hoy día; de su etapa eléctrica recomiendo sus discos “America’s Choice”, “Hoppkorv” y en especial “Hot Fever” de mediados de los setenta. Jorma Kaukonen ha tenido una exitosa carrera en solitario, además olvide decir que es el intérprete de la fabulosa instrumental acústica (lástima que sea tan cortica) "Embrionic Journey" cuando hacía parte de Jefferson A.

"Somebody To Love", el mayor éxito del grupo en vivo: http://youtube.com/watch?v=sQl0NmY_itI

Esta recopilación que les presento salió en 1987 y recoge sus temas más destacados de los sesenta. “2400 Street“ fue la ubicación en donde estaba su mansión de residencia en su ciudad natal San Francisco, donde se celebraron innumerables fiestas al son de su música, las drogas y el sexo libre, concretando en hechos reales sus consignas líricas.

Jefferson Airplane:

Marty Balin y Grace Slick los cantantes, Jorma Kaukonen y Paul Kantner en las guitarras, Jack Casady bajo y Spencer Dryden en la batería (fallecido hace unos meses o años). Por su lado Paul Kantner y Grace Slick como que mantenían una relación sentimental.


lunes, 5 de noviembre de 2007

QUEEN: A NIGHT AT THE OPERA (1975)

Este disco condenso el estilo musical de La Reina TAN único y original que la distinguiría para siempre del resto de las agrupaciones. Al mismo tiempo reflejo la versatilidad y grandilocuencia de Freddy Mercury y compañía de sus primeros años. Además da muestras de por qué Brian May fue uno de los más grandes intérpretes de las cuerdas de todos los tiempos...

A comienzos de este año se desató una polémica ante una encuesta radial que daba como ganadora a esta banda británica como la más importante de su país... Así las posiciones hubieran sido cualquiera, como era de esperarse, hirieron el ego de la sociedad musical mundial; en todo caso IRREFUTABLEMENTE Queen ha sido una de los más populares, ahora bien, ¿ese factor garantiza grandeza musical??

Si bien Queen formo por un lado un estilo propio, reconocible a la primera escucha al conseguir sus miembros una sincronización en las armonías vocales únicas en los coros, también se pueden jactar de ser los más volubles al tocar cualquier cantidad de ramificaciones musicales, llegando incluso a mezclar insólitamente el Rock con la ópera; del mismo modo sus cuatro miembros -como en pocas bandas- componían, cantaban y producían, fueron arreglistas de primera, en fin todo esto lo veremos ahorita en ‘A Night At The Opera’ y durante sus primeros discos, NO OBSTANTE su trayectoria para gran parte de la crítica desde los ochenta fue inestable, una total vergüenza a pesar de conseguir más fama entre los fans por sus sencillos.

A Night At The Opera’ irrumpe con un inolvidable comienzo del piano clásico de Freddy, siguiendo unas notas de la guitarra de May distorsionadas para dar paso a “Death On Two Legs”, un tema de contenido grosero, vulgar, cantado con una asombrosa furia por Mercury, su autor, que al mismo May le parecía fuerte la letra: Dedicada al ex-manager de la banda que al parecer los había estafado, lo mejor de este tema las notas inconfundibles de la guitarra de May, sello de su Red Special.


En seguida sigue un nuevo tema de Freddy completamente distinto del tipo de McCartney de los años ´20: “Lazing on a Sunday Afternoon”, aquí la voz de Freddy sufre una modificación como de tarro (en el documental de cómo hicieron este disco explican lo complicado que era en esa época lograr ese efecto), divertido tema. A continuación el aporte al disco de Roger Taylor, el baterista: “I’m In Love With My Car”, gran canción cantada por su autor con los efectos del sonido de un automóvil en partes de la canción. El disco empieza a un vuelo altísimo, la secuencia de estas tres canciones es magnífica.


Luego de una pequeña pausa sigue uno de los sencillos del álbum, compuesto por el bajista John Deacon “You’re My Best Friend” (“Tu eres mi mejor amiga”), demasiado Pop pero suena muy bien, el ritmo lo lleva desde su entrada un piano eléctrico interpretado también por el bajista. Algo curioso que dicen en el documental del disco es que a los únicos que les quedan bien estos temas cursis (éste y el anterior “Estoy enamorado de mi carro” entre otros) es a Queen, otra banda se vería ridícula... La razón: Queen con lo pomposo que era no se tomo nunca en serio las cosas, ni siquiera sus más grandes obras.



Ahora el turno es para Brian May, el guitarrista, quién se faja desde la entrada con un encantador ‘riff’ de guitarra acústica que viene acompañado de unas voces para su tema folk ’39 cantado por él: Relata una historia de ciencia ficción en la que un astronauta viaja a conocer nuevos territorios en el espacio y cuando regresa a la Tierra se da cuenta que han pasado 100 años, el estribillo dice algo así : Don't you hear my call,Though you're many years away,Don't you hear me calling you..."


“Sweet Lady”
es compuesta la letra también por May, en este tema rockero Freddy regresa de nuevo a la voz principal. Finalizaba en la grabación original (LADO A) con Seaside Rendezuous: Una nueva canción de Freddy al estilo de music-hall que contiene unos efectos raros que son algarabías de la voz de Freddy ocasionados como relajante a las intensas sesiones de grabación.

Ahora se da paso a una recursividad inusual en el Rock por parte de Brian May al recurrir a distintos instrumentos de cuerda: Primero en “The Prophet Song”, abre y cierra el tema con unas notas de un ‘koto’ (Qué es eso??), un instrumento japonés, seguramente como homenaje a esta población que siempre los quiso desde sus desconocidos primeros años. Luego tenemos en “Love Of My Life” un intro y desenlace hermoso con unos acordes de un arpa (Un arpa!) acompañados por el piano y voz de Mercury que domina todo el tema: Celestial. Luego en la entretenida “Good Company” toca un ukelele, primer instrumento que aprendió a tocar gracias a su padre.


Cabe decir que en el medio de “The Prophet Song” (otro tema rockero), en que se deja la prodigiosa voz de Freddy Mercury con un eco doble y triple, esa parte no es de mi agrado porque se extiende demasiado antes de retomar la canción nuevamente.


Para terminar esta la osada “Bohemian Rhapsody”: Todos sabemos lo que es esta soberbia obra que fusiono el Rock con la ópera, sólo quiero agregar que para la realización de las voces se tomaron únicamente las de los cuatro miembros de la banda, este trabajo se prolongo en siete sesiones de 10 horas cada uno aproximadamente. Culmina el disco con el himno de Gran Bretaña arreglada por Brian May: God Save The Queen”. El título del disco es el nombre de una película de los hermanos Marx.

Este disco los elevo a la categoría de celebridades, antes sólo habían conseguido uno o dos sencillos exitosos: “Killer Queen” y “Seven Seas of Rhye”. Ahora el reto era enorme en intentar superar o por lo menos igualar este trabajo, no lo lograrían como lo admite Roger Taylor en el documental de este disco, pero su disco posterior, “A Day At The Races”, que parece salió de las mismas grabaciones de ‘A Night At The Opera’, es de un gran nivel musical y también uno de mis favoritos de Queen.

Por último, un especial reconocimiento a Mike Stone, ingeniero de sonido y productor de éste
y de sus anteriores discos.

PD: El ´Making of ...´de este disco ya fue subido a la red. El superfanático chileno "Nano Bulsara
" de esta banda lo tiene en su Blog. Qué tal esa Web??

“God Save The Queen”

domingo, 21 de octubre de 2007

VAN HALEN: “FAIR WARNING” (1981)

Antes del posicionamiento comercial que les represento “1984”, último disco (del mismo año) con su primer vocalista David Lee Roth, esta etapa de la legendaria banda de Hard Rock los caracterizó -digo yo- por realizar espléndidos álbumes que pasaron inadvertidos luego de su revolucionario disco debut.

Hoy Van Halen se vigoriza nuevamente al retornar a los escenarios la formación original (después de más de 2 décadas) con la integración de un nuevo miembro de la familia: El hijo de Eddie con tan sólo 16 años, Alex Van Halen, ocupa el lugar de Michael Anthony en el bajo.





Imágenes de septiembre 2007 (Fotos VH Web Official Septiembre 2007).

Si a finales de los setenta Eddie Van Halen replanteó la forma de tocar la guitarra con la técnica del ‘Tapping’ e influiría a los demás músicos anticipando el sonido de los siguientes años, en los ochenta daba nuevos lineamientos musicales al Hard Rock incorporando los sintetizadores que tendrían su pleno desarrollo en “1984”. En “Fair Warning” se dan los primeros avances de este uso electrónico en el tema “Sunday Afternoon In The Park”, que tiene su continuación en “One Foot Out of The Door”, cierre del disco con un final de Eddie de chupete retomando la guitarra... Para volver a poner a sonar!!


Pero vamos al principio, el enganche del disco: Esos ‘Riffs’ de Eddie son sensacionales, ¡ese de presentación del disco!, o de “Dirty Movies” o qué me dicen de “Sinner’s Swing”. Eddie no sólo destacaría pos sus ‘solos’ sino también por esto y por la guitarra rítmica a medida que avanzaban los temas.


Es curioso que sus primeros seis álbumes de estudio, con David Lee Roth en la voz principal, creo que ninguno de estos supera los 35 minutos de duración; “Fair Warning” es el más corto: Escasamente 31 minutos y es el que más rockea. Pareciera que eran en exceso selectivos con el material que iban a entregar a sus fans en un disco, ¿o se quedaban cortos y apenas lograban sacar lo suficiente?? En todo caso lo que quedo de esos años permanecerá en el tiempo en vez de esos temas de relleno que cantidad de bandas proporcionan en sus discos, desperdiciando minutos que en muchas ocasiones si los ignorarán alcanzarían a producir un gran álbum.


Un elemento fundamental en este agrupación también es Alex Van Halen, que no se podía quedar atrás con la batería al ver que su hermano Eddie progresaba en el manejo de su instrumento, así que ha medida del paso de los años agrego cada vez más elementos de percusión y para este disco está a la altura de su propuesta. Como anécdota quiero contar que cuando ellos eran adolescentes fue Eddie quien se interesó primero en tocar la batería y se compró una que iba pagando por cuotas, lo que no sabía era que su hermano aprovechaba para aprender a tocarla mientras él trabajaba para pagarla y luego, cuando descubrió que Alex lo superaba en su interpretación, se decidió por la guitarra. Menos mal Je Je
.


Por su parte Michael Anthony, el bajista, siempre Ted Templeman (el productor) lo resaltó, no dejándolo en segundo plano como si sucede con otros grupos y juega un papel esencial en la sección rítmica junto a Alex; y David Lee Roth (DLR o “Diamond Rave”) me parece un fantástico vocalista y era un loco frente al público.


Un factor de distinción de la banda y que a mi particularmente me fascina son los coros de Eddie y de Michael (ejemplo Van Halen II) y en este disco se recuperan luego de su experimental predecesor “Woman and Children First” (1980): En ese disco Eddie se dio el gusto de hacer lo que quisiera con su instrumento, puedo imaginar lo aburrido que se debió sentir DLR en su grabación, esa es una de las razones por las que los fans les parece poco atractivo este disco aunque debería ser lo contrario...


¿Qué más puedo decir aparte de las críticas que dejaré de enlace a continuación? Aquí encontrarán Buen Hard Rock, es mi favorito de la banda y no soy el único que ha llegado a la misma conclusión:


domingo, 7 de octubre de 2007

DAVID BOWIE: “ZIGGY STARDUST THE MOTION PICTURE” (1973) CONCIERTOS QUE MARCARON LOS SETENTA (ÚLTIMA PARTE)

El Camaleón sellaba esa noche el ciclo que lo proclamó el máximo representante del Glam Rock. Quería seguir un renovado rumbo que, a la postre, sería una constante en su carrera. Al personaje que había forjado (su alter ego) y a su banda “Ziggy Stardust & The Spiders From Mars” daba fin, tomándose a pecho abandonar luego a estos músicos con los que había grabado los álbumes que lo convirtieron célebre, entre ellos el elogioso guitarrista Mick Ronson.

Uno podría pensar a primera vista que esta presentación ofrece la obra conceptual del disco en estudio “Ziggy Stardust”, catalogado como la obra cumbre de este británico, VALGA DECIR UNO DE MIS GRANDES ÍDOLOS, pero no es así, por lo menos no sólo eso en parte: Es un compendio de algunos de sus éxitos, con unos covers que David Bowie había ayudado a producir (“All The Young Dudes” de Mott Hoople y “White Light/White Heat” de “Velvet Underground”) y otros temas que desconozco su procedencia, bueno podrían ser de su primer LP que me hace falta escuchar: “My Death” y “Wild Eyed Boy From Freecloud”.


Este ‘medley’ me gusta mucho al fusionar tres temas en uno, pienso que levanta el concierto “Wild Eyed Boy From Freecloud”/“All The Young Dudes”/ “Oh! You Pretty Things”

El vídeo contempla la transformación estética del artista, donde la asidua mudanza de ropa y maquillaje brindaron vida a ‘Ziggy’, sin embargo decepciona su pésimo sonido: Por momentos de veras no se cree que sea el mismo concierto que uno está escuchando y viendo. En mi caso es una dicha que hubiera descubierto primero el material de solo audio (viene con el DVD) que sí es óptimo en lo sonoro, considerándolo uno de los mejores espectáculos realizados jamás musicalmente.

David Bowie para ese entonces ya había hecho música espléndida, por ello no es para nada exagerado la concepción que Isaac David otorga de él, que se atribuye a estos primeros discos fundamentalmente: Para no repetir lo del ‘manito’ invito a leer su Web. Sólo quiero agregar que su acertada versatilidad me deja deslumbrado: De Folk (“Space Oddity”, 1969) paso a Hard Rock en estado puro (“The Man Who Sold The World” 1970, mi favorito del artista), después ¡Pop! (“Hunky Dory” 1971, clásico para muchos...) y luego una mezcla de Rock and Roll al estilo de los Stones con pop, jazz, etc. (“Ziggy Stardust” tiene brillantes arreglos y “Aladdin Sane”).

En el momento de este concierto “Aladdin Sane” estaba pegando fuerte, el repertorio de esta gira contenía varios temas de este álbum: “Watch That Man”, “Cracked Actor”, “Time”, el cover de los Rolling Stones “Let´s Spend The Night Together” (en lo personal -tengo que decirlo- no me gustan los covers que hace Bowie, por ejemplo el que haría de John Lennon Across The Universe” en 1975 me parece ¡horrible!, no me quiero imaginar “Pin Ups”).

Vale la pena agregar que Mike Garson, tecladista, gran protagonista del “Aladdin Sane”, lo acompañaría en esta gira junto a “The Spiders From Mars”, que contaban -como decía- con Mick Ronson, quien contribuía al sonido espacial e hipnótico de este concierto a causa del particular sonido de su guitarra eléctrica.

“Moonage Daydream” es un momento que yo lo clasifico ‘histórico’ en el Rock por ese ‘solo’ de guitarra de Ronson con el que culmina.

La puesta escénica del camaleón es impactante, la teatralidad, un auténtico Rock Star, su voz que presenta distintas tonalidades la he considerado un instrumento importante dentro de su música (alguna vez leí algo así que esa era su intención al igual que para Jimi Hendrix). Dentro y fuera del escenario siempre revela una enorme personalidad, por eso es que supongo ocupo el quinto lugar en un Top que salio hace unos días de "Los 50 hombres con más estilo de los últimos 50 años", realizado por por la revista GQ en Estados Unidos.

“Width of a Circle”, hito inicial de “The Man Who Sold The World”, este tema es fuerte, en el medio hay un improvisado ‘solo’ de guitarra y percusión que se acelera al punto que las primeras veces que lo escuché al máximo nivel de volumen me dejaba sordo. Se los juro.

Parte 1

Parte2

Este concierto tuvo lugar en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. En su tiempo no fue famoso porque salió publicado una década después. El primer disco oficial en vivo de Bowie fue David Live! de 1974: De avalada reputación, incluiría temas de su siguiente trabajo “Diamond Dogs”, pero cuenta con otra alineación de músicos.

En la actualidad es una tristeza que el nombre de David Bowie pase desapercibido en la industria de la música, y sí -qué rareza- se destaca en el campo tecnológico (no recuerdo por qué). Pero fue sin discusión uno de los más innovadores a comienzos de los setenta de la música, quiero dejarlos con una publicación nostálgica del camaleón de su grandeza en esos años (tiene 100 comentarios ese post!!!!!!!!!!!!!!).

Y “Life On Mars?”, “Starman”, “The Jean Genie”, “Drive On Saturday”, “Five Years”, que hacían parte del repertorio de la gira, quedaron por fuera en su último concierto. Qué importa. Los dejó con una de las mejores canciones del siglo pasado “Ch Ch Ch Changes”.


"Not only is it the last show of the tour, but it's the last show that we'll ever do. Thank you", Ziggy Stardust.

Galería de Fotos del show de "Ziggy Stardust".


No podía concluir este especial “Conciertos que marcaron los setenta” omitiendo el concierto de The Who “Live At Leeds” de 1970. Pensaba que era del ’69, pero iba decir que se consiguen ‘bootlegs’ o discos no oficiales en vivo de sus presentaciones de los setenta. Además ya hice una entrada a este banda. Por qué lo cito? En general este concierto es una celebración a la música Rock : Tocan con una intensidad sus integrantes... Este concierto ha desplazado a mis ultra archifavoritos “The Rolling Stones” a pesar que estoy ahorita conociendo su disco “Some Girls” que también es muy bueno y conozco sus clásicos.

Ahora bien, a comienzos de esa década el teatro de Fillmore tuvo el privilegio de presenciar unos superconciertos, para citar sólo dos: a la banda Humble Pie” y “The Allman Brothers”. Ahora que veo esto hubiera sido mejor denominar este especial “Conciertos que marcaron el transcurso de los setenta”, porque a comienzos de la década se llevaron a cabo muchos trascendentales que no hable y en cambio me dediqué ‘a hablar carreta‘ de los más comerciales y a los que personalmente considero imprescindibles que se dieron durante esa década.