AC/DC: "BACK IN BLACK", (1980)

Una carátula negra titulada “De regreso en negro” que contempla en su contenido musical unas campanas que retumban como presentación. A medida que avanzan los redobles metálicos, un riff de guitarra aparece acompañado más tarde de otro y otro más, mientras los platillos de la batería presagian un demoledor tema.. De pronto el tema ha tomado forma, aparece la voz esperanzadora de Brian Johnson, su nuevo vocalista…

Guau! Qué soberbio homenaje a su recién fallecido integrante que volver con un disco igual de clásico a su antecesor “Highway To Hell”. Estaban de luto (Back In Black”) pero eran los mismos rockeros de siempre. En ese entonces, la popularidad del grupo australiano se acentuó, contra los incrédulos pronósticos; hoy, se ha afianzado como el segundo álbum más vendido de todos los tiempos. Bon Scott debió celebrar en el infierno este logro, como ahora por permanecer unidos sus integrantes.

Y es que haber perdido al frontman de sus primeros años -cuando lograron el reconocimiento mundial- debió ser garrafal. Seamos francos: Su fuckin´ voz y las guitarras estridentes de los escoceses Angus y Malcolm Young eran la identificación de la banda, no se podía concebir de otra manera. Yo lo considero el mejor vocalista que tuvo alguna vez el Rock.

El hecho fue que se recompusieron (sacando fuerzas quién sabe de donde) para continuar con otro vocalista el legado edificado hasta el momento. El productor John “Mutt” Lange”, responsable del éxito de su último trabajo, los guiaría en esta transición del inicio de la nueva etapa de la banda. La elección del sustituto no pudo haber sido mejor acertada que aquel que Bon Scott había ovacionado en una inconsciente predicción de su futura ausencia: Un tipo que cantaba en un tal grupo de nombre "Geordi".


La pieza que da titulo al álbum (tiene uno de los mejores riffs iniciales creados en la historia del Rock) y “Have A Drink On Me” son claros tributo a Bon Scott, manteniendo AC/DC el humor e insustancial contenido en las letras, contando con Brian Johnson en su elaboración.

En este Blog una mirada general del contenido de cada de las canciones de este disco.

Letras traducidas al español y en ingles de todo el álbum en este otro enlace.

En cuanto a mi opinión personal del “Back in Black”, fue su punto de creación más alto, sin la intención de desestimar sus siguientes y pasados trabajos. De hecho siempre han conservado un estilo simple y monótono que aplaudo inexplicablemente. No obstante aquí me parecen todos los temas UNA CHIMBA!: Modelos ejemplares de Hard Rock, nunca antes igualados ni después superados por la banda. “Shoot To Thrill” el mejor tema. Contiene además un tema melodioso, “You Shook Me All Night Long”, el único que les he escuchado en su carrera. Ese solo de Angus en "Shake Your Leg"!! ¿Han escuchado la POTENTE voz de Brian al ponerlo a un alto volumen en sus oídos??

¿Cómo habrán logrado tanta inspiración luego de ese revés que les dio la vida? En este reportaje de Sergio Rodríguez parte de esa respuesta: Pormenores desde el momento en que se enteran de la trágica muerte de Bon, pasando por la búsqueda de su sucesor, las grabaciones del álbum, etc.

LES ACONCEJÓ VISITAR LOS DEMÁS LINKS QUE ESTÁN EN EL TEXTO

PD: Los fans de esta banda estamos a la espera de su nuevo trabajo que según parece dará la luz se espera salga este año acompañado de una gira mundial al que anhelo asistir alguna vez en mi vida.

Cabe decir, no obstante, que “Highway To Hell” me gusta cada vez más.

Web en español dedicada a la legendaria banda.

Aquí crónicas de sus presentaciones de su última gira.

Por ultimo, una aterradora versión de Shakira de "Back In Black"

For Those About Rock I Salute You! Comment!

THE BEATLES (White Album), 1968

De su retiro espiritual a la India, lejos del acoso de los fans y la prensa, se gestó la lucidez de este doble LP de los Fab Four. Las discordancias entre ellos -desde entonces- los llevo a componer por separado, derivando en un resultado indefinible e inaudito si notamos que en pequeñas piezas cubre la música POPular Universal en su totalidad: Cualquier género está reunido (hasta Heavy Metal!); discutible en todo caso la calidad de un montón de estas piezas.

Era claro que para el cuarteto de Liverpool, al igual que otros grupos, en 1968 quedaba atrás la etapa psicodélica de la cual se habían apropiado el año anterior como manifestación de una época. Las temáticas y los estilos musicales en los que se sumergió cada `beatle´, serían una extensión de su carrera musical en solitario a largo plazo (corto plazo más bien, unos dos años).

Ahora bien, en 30 canciones no se puede pedir un elevado nivel musical parejo, obviamente abunda material sobrante. De todas maneras en el primer lado George Martin, quizá el mejor productor del mundo, seleccionó una seguidilla de canciones (hasta “Piggies” creo yo), enlazándolas de tal forma que es difícil dejar de prescindir de alguna si se toma por ese enfoque por el que fue conceptualizado el disco (de ser heterogéneo).



De ahí para adelante las descarto todas (también fuera “Wild Honey Pie”) con excepción de la última “Julia” de John (en el que revela su lado sensible cantándole a su madre fallecida): “Rocky Racoon”, “Why Don´t We.., “I Will” (idéntica a "Till There Was You") autorías de Paul; la primera contribución y única en este disco de Starkey a la banda de corte country “Don´t pass Me By”. En el segundo disco para mí hay menos material de relleno: Sólo los dos aportes de George Harrison en este lado “Long Long Long” que va por su lado místico y “Savoy Truffle”, ésta última tiene algo como cómico pero no termina de llenarme y de pronto “Cry Baby Cry” de Lennon.

A pesar de todo ese relleno el resto de temas son encantadores. Paul McCartney conserva la genialidad como compositor y como intérprete del bajo en todas las canciones (ASESINO su bajo en “Everybody Got Something…”), ratificando en sus canciones ser el más prolífico y variado del cuarteto, considerándolo uno de los músicos que ubico en el podio de los mejores del siglo pasado: Mucha energía en los temas que abren cada lado del doble disco “Back in the USSR” y “Birthday”, su intento por hacer reggae “Ob La Di Ob La Da”, su característico Pop en “Martha my Dear”, la hermosa acústica “Blackbird”, Heavy Metal con “Helter Skelter” luego de basarse en una reseña de The Who, music-hall de los años ´20 con la espectacular “Honey Pie”.

Lennon por su parte se dedico más que todo a escribir de las anécdotas vividas en el curso de meditación trascendental con el Maharishi. Sobresalen: “Dear Prudence”, un riff fascinante de entrada (versionado por Jerry Garcia cuando salía con su grupo alterno de los "Grateful Dead"), “Happiness Is A Warm Gun” son cuatro cortes unidos en uno sólo, asombroso!, “Yer Blues” compuso por primera vez un blues y con la ayuda de los demás conformaron un fenomenal tema (me encantan los solos de guitarra), “Sexie Sadie” de referencia explicita al Maharishi, sus ideas políticas a lo que estaba pasando en el mundo en “Revolution”, ese experimento de “Revolution 9” me parece interesante, no me quita un instante la atención, contrario a lo que la mayoría le parece. El final mágico, como una canción de cuna, dedicado a su hijo, “Good Night”.

Y Harrison nos presenta una de las mejores canciones del disco que tiene un fenomenal solo de guitarra (que de verdad `llora´) a cargo de su amigo Eric Clapton en “While My Guitar Gently Weeps”, también expresa un mensaje social en “Piggies”. Esta fue mi mirada general del extenso álbum, como verán hubiera preferido un doble álbum de menos largo (son 93 minutos, una hora y media de duración! Demasiado!).

Recomiendo los siguientes enlaces:

Maravillosa descripción de este álbum por DrMusicStudio. Me dejo literalmente casi sin palabras para esta publicación.

Aquí hallarán frases de los propios miembros de la banda, el ingeniero de sonido Chris Thomas, George Martin, entre otros, sobre las grabaciones, las canciones terminadas, etc.

Si quieren profundizar más en el contenido de los 30 temas está es la pagina apropiada.

Rolling Stones: "Some Girls", 1978

Atiborrado de guitarras eléctricas, este trabajo de Sus Satánicas Majestades fue el más fuerte que lograron a esa fecha: Querían reinvindicar su título de “The Greatest Rock & Roll Band in the World”, el cual se había puesto en duda ya varios años y que el recién formado movimiento Punk –en alza- no hacía más que restregarles que su estilo -al igual que todas las bandas clásicas- estaba mandado a recoger ¡Qué se creían!

Para su labor hoy uno se da cuenta que fue fundamental la entrada oficial de Ronnie Wood (FOTO) al grupo en reemplazo del monstruoso Mick Taylor, oxigenando con nuevos aires de Rock & Roll a la banda (no quiero decir que su antecesor no fuera capaz...), pues por primera vez participa en todos los temas grabados y seleccionados del disco y junto a las guitarras de Keith Richards y de Mick Jagger -que también es la primera vez que se atreve a tocarla- y (cómo no!) LA BATERÍA de CHARLIE WATTS consiguen un disco que rockea a diez mil por hora, en las tres cuartas partes (3/4) del disco.

Me refiero por supuesto a “When The Whip Comes Down” (ese coro es bueno), “Lies”, "Lies ", "Lies" (Me encanta), “Some Girls” (Al parecer la relación de Jagger con Jerry Hall no pasaba un buen momento y su experiencia con las mujeres le daba para confesar ´algo´ de ellas), e indiscutiblemente “Respectable” (Este tema acaba con cualquiera de los Sex Pistols y no es que el Punk no me guste sino que esto es rockear de verdad!!!).

Por otro lado, para compensar con algo de variedad el disco tenemos primero en el álbum el fenomenal tema ´disco-rock´ “Miss You” (La música ´disco´ empezaba también a meterse con fuerza y muchas bandas se adaptarían a ese tipo de música y hasta ahí HASTA AHÍ llegaría el Rock… Los Stones la hacen tan suya y hacen un tema memorable que invita a moverse al son de su ritmo tipo Funk): La ubico entre los 30 mejores temas de la banda junto a también del mismo álbum “Beast of Burden”: Una excepcional balada, que rompe con todo lo escuchado hasta ahora… Ese riff con el que empieza me corta la respiración… todo el tema es maravilloso, los ganchos de las guitarras.

Keith Richards también la saca del estadio (Hace un Home Run! si no me entienden) con el que hasta ahora para mi (no conozco toda la discografía del grupo) es su mejor aporte como vocalista y compositor al grupo, “Before They Make Me. “Far Away Eyes”, es un ´country´ tratado por los lados del humor, esta vez de Mick Jagger y sirve de descanso para el tema más enérgico del álbum “Respectable”.

DESTACABLE lo que hicieron con el clásico de The Temptations “Just My Imagination”: La convirtieron en Rock suave!. Voy a tratar de subir la versión original para que los que no la conocen noten la proeza de los Stones con este tema; aprovecho para manifestar mi profunda admiración por toda esta música de Rythm ´N Blues de los sesenta como además de “The Supremes con Diana Ross”, “Jackson Five”, “The Four Tops”. Tengo Motown#1´s que recoge los principales éxitos de la discografía de la música negra de Estados Unidos desde los ´60 (Claro que los últimos temas que son los más recientes no me gustan y son los únicos que se conocen en Colombia… En fin, tengo que ver la película “Dreamgirls”!)

Y “Shattered” si no sé como interpretarla(PD: No es desagradable en todo caso): es una mezcla inclasificable, empezando que la guitarra rítmica suena bien rara, bueno es el cierre del disco.

Yo he quedado más que satisfecho con este disco “It´s Only Rock and Roll But I Like It”… e incluso digo que lo único que le pueden faltar a los Rolling Stones, MI BANDA FAVORITA, es despedirse de la música con un disco de esta altura, que incluso puede competir con los de su era dorada (1968 67-1972), así como se lo propusieron los Beatles superando incluso toda su anterior obra (esto es un poco atrevido de mi parte) con “Abbey Road”, su despedida.

Claro que a pesar de que buena parte de la crítica quedo también conforme con este disco como yo, personas especializadas en la música como Federico Fernández le encuentra sus contra, entre otras cosas que todas las canciones le suenan lo mismo, no hay novedades (tiene algo de razón pero disiento de todas maneras de varias cosas que dice. “It´s Only Rock and Roll and I Like It”, repito)

En este completo informe de ´Letitbleed´ encontrarán en qué andaban los integrantes del grupo antes de las grabaciones del álbum, parte de lo que hablan unas letras del disco en español, detalles de la carátula, entre otras sorpresas...

PD: A Bill Wyman lo ubico relegado en este disco, dado la predominancia que le dieron a las guitarras; años después vendría su desquite en el infravalorado “Undercover” con una labor excelsa, superior a sus demás compañeros. No es una sorpresa: Desde la formación del grupo se mereció ser parte del grupo y la importancia de su trabajo (hasta que se largó) se refleja hoy día al no encontrarle los Stones un reemplazo de su talla...

PD: Este post es para Manolo que como me dijo que me había olvidado de los reyes del Rock al hablar de otras bandas…, pues no. Feliz Estadía en Colombia y Feliz Año!!

LED ZEPPELIN: 10 DE DICIEMBRE 2007 EN EL ARENA O2

Cerca de 20 mil fueron los afortunados que presenciaron su único reencuentro. Al parecer fue un rotundo éxito. Los ¨blogger¨ Perem1 y San FreeBird dan enlaces externos de varios medios electrónicos del concierto. En la penúltima entrada por este año sólo quiero dejar el vídeo de "Stairway To Heaven" (En YouTube.com hay más y irán saliendo más).

Feliz Navidad a Todos! Gracias por su visita, seguiré.., sigan dándome palo (criticas constructivas) de lo que escriba que como verán tengo muuuuucho todavía que conocer (escuchar).

JEFFERSON AIRPLANE: 2400 FULTON STREET

Protagonistas del movimiento de contracultura que cubrió la segunda mitad de los sesenta -en Estados Unidos en un principio, impulsado por el hippismo-, los seis ‘mechudos’ que conformaron esta agrupación se presentaron en nada menos que los festivales de Monterrey (1967), Woodstock y Altamont (1969).

Inclinados desde un comienzo por la música folk, en el periodo de 1967 con la integración de la cantante Grace Slick, se ajustaron como tantas otras bandas a la psicodelía sin perder sus raíces musicales, constituyendo unos himnos para la juventud del momento como “White Rabbit” (inspirada en el LSD) y “Somebody To Love” por sentirse éstos identificados por el carácter ‘hippie’ del contenido de sus letras. Peace and Love Brother!

A partir de la siguiente década empezó a desestabilizarse Jefferson Airplane, tomando desde entonces la banda distintos nombres a causa del poco interés que le dieron varios de sus componentes, teniendo que ser sustituidos. Por ejemplo Jorma Kaukonen y Jack Casady (FOTO) formaron "Hot Tuna": Fantástica banda de Blues-Rock eléctrico y acústico, activa hoy día; de su etapa eléctrica recomiendo sus discos “America’s Choice”, “Hoppkorv” y en especial “Hot Fever” de mediados de los setenta. Jorma Kaukonen ha tenido una exitosa carrera en solitario, además olvide decir que es el intérprete de la fabulosa instrumental acústica (lástima que sea tan cortica) "Embrionic Journey" cuando hacía parte de Jefferson A.

"Somebody To Love", el mayor éxito del grupo en vivo: http://youtube.com/watch?v=sQl0NmY_itI

Esta recopilación que les presento salió en 1987 y recoge sus temas más destacados de los sesenta. “2400 Street“ fue la ubicación en donde estaba su mansión de residencia en su ciudad natal San Francisco, donde se celebraron innumerables fiestas al son de su música, las drogas y el sexo libre, concretando en hechos reales sus consignas líricas.

Jefferson Airplane:

Marty Balin y Grace Slick los cantantes, Jorma Kaukonen y Paul Kantner en las guitarras, Jack Casady bajo y Spencer Dryden en la batería (fallecido hace unos meses o años). Por su lado Paul Kantner y Grace Slick como que mantenían una relación sentimental.

QUEEN: A NIGHT AT THE OPERA (1975)

Este disco condenso el estilo musical de La Reina TAN único y original que la distinguiría para siempre del resto de las agrupaciones. Al mismo tiempo reflejo la versatilidad y grandilocuencia de Freddy Mercury y compañía de sus primeros años. Además da muestras de por qué Brian May fue uno de los más grandes intérpretes de las cuerdas de todos los tiempos...

A comienzos de este año se desató una polémica ante una encuesta radial que daba como ganadora a esta banda británica como la más importante de su país... Así las posiciones hubieran sido cualquiera, como era de esperarse, hirieron el ego de la sociedad musical mundial; en todo caso IRREFUTABLEMENTE Queen ha sido una de los más populares, ahora bien, ¿ese factor garantiza grandeza musical??

Si bien Queen formo por un lado un estilo propio, reconocible a la primera escucha al conseguir sus miembros una sincronización en las armonías vocales únicas en los coros, también se pueden jactar de ser los más volubles al tocar cualquier cantidad de ramificaciones musicales, llegando incluso a mezclar insólitamente el Rock con la ópera; del mismo modo sus cuatro miembros -como en pocas bandas- componían, cantaban y producían, fueron arreglistas de primera, en fin todo esto lo veremos ahorita en ‘A Night At The Opera’ y durante sus primeros discos, NO OBSTANTE su trayectoria para gran parte de la crítica desde los ochenta fue inestable, una total vergüenza a pesar de conseguir más fama entre los fans por sus sencillos.

El track list de este disco está después del disco de los Stones "Some Girls"

‘A Night At The Opera’ irrumpe con un inolvidable comienzo del piano clásico de Freddy, siguiendo unas notas de la guitarra de May distorsionadas para dar paso a “Death On Two Legs”, un tema de contenido grosero, vulgar, cantado con una asombrosa furia por Mercury, su autor, que al mismo May le parecía fuerte la letra: Dedicada al ex-manager de la banda que al parecer los había estafado, lo mejor de este tema las notas inconfundibles de la guitarra de May, sello de su Red Special.

En seguida sigue un nuevo tema de Freddy completamente distinto del tipo de McCartney de los años ´20: “Lazing on a Sunday Afternoon”, aquí la voz de Freddy sufre una modificación como de tarro (en el documental de cómo hicieron este disco explican lo complicado que era en esa época lograr ese efecto), divertido tema. A continuación el aporte al disco de Roger Taylor, el baterista: “I’m In Love With My Car”, gran canción cantada por su autor con los efectos del sonido de un automóvil en partes de la canción. El disco empieza a un vuelo altísimo, la secuencia de estas tres canciones es magnífica.

Luego de una pequeña pausa sigue uno de los sencillos del álbum, compuesto por el bajista John Deacon “You’re My Best Friend” (“Tu eres mi mejor amiga”), demasiado Pop pero suena muy bien, el ritmo lo lleva desde su entrada un piano eléctrico interpretado también por el bajista. Algo curioso que dicen en el documental del disco es que a los únicos que les quedan bien estos temas cursis (éste y el anterior “Estoy enamorado de mi carro” entre otros) es a Queen, otra banda se vería ridícula... La razón: Queen con lo pomposo que era no se tomo nunca en serio las cosas, ni siquiera sus más grandes obras.

Ahora el turno es para Brian May, el guitarrista, quién se faja desde la entrada con un encantador ‘riff’ de guitarra acústica que viene acompañado de unas voces para su tema folk ’39 cantado por él: Relata una historia de ciencia ficción en la que un astronauta viaja a conocer nuevos territorios en el espacio y cuando regresa a la Tierra se da cuenta que han pasado 100 años, el estribillo dice algo así : “Don't you hear my call,Though you're many years away,Don't you hear me calling you..."

“Sweet Lady” es compuesta la letra también por May, en este tema rockero Freddy regresa de nuevo a la voz principal. Finalizaba en la grabación original (LADO A) con Seaside Rendezuous: Una nueva canción de Freddy al estilo de music-hall que contiene unos efectos raros que son algarabías de la voz de Freddy ocasionados como relajante a las intensas sesiones de grabación.

Ahora se da paso a una recursividad inusual en el Rock por parte de Brian May al recurrir a distintos instrumentos de cuerda: Primero en “The Prophet Song”, abre y cierra el tema con unas notas de un ‘koto’ (Qué es eso??), un instrumento japonés, seguramente como homenaje a esta población que siempre los quiso desde sus desconocidos primeros años. Luego tenemos en “Love Of My Life” un intro y desenlace hermoso con unos acordes de un arpa (Un arpa!) acompañados por el piano y voz de Mercury que domina todo el tema: Celestial. Luego en la entretenida “Good Company” toca un ukelele, primer instrumento que aprendió a tocar gracias a su padre.

Cabe decir que en el medio de “The Prophet Song” (otro tema rockero), en que se deja la prodigiosa voz de Freddy Mercury con un eco doble y triple, esa parte no es de mi agrado porque se extiende demasiado antes de retomar la canción nuevamente.

Para terminar esta la osada “Bohemian Rhapsody”: Todos sabemos lo que es esta soberbia obra que fusiono el Rock con la ópera, sólo quiero agregar que para la realización de las voces se tomaron únicamente las de los cuatro miembros de la banda, este trabajo se prolongo en siete sesiones de 10 horas cada uno aproximadamente. Culmina el disco con el himno de Gran Bretaña arreglada por Brian May: “God Save The Queen”. El título del disco es el nombre de una película de los hermanos Marx.

Este disco los elevo a la categoría de celebridades, antes sólo habían conseguido uno o dos sencillos exitosos: “Killer Queen” y “Seven Seas of Rhye”. Ahora el reto era enorme en intentar superar o por lo menos igualar este trabajo, no lo lograrían como lo admite Roger Taylor en el documental de este disco, pero su disco posterior, “A Day At The Races”, que parece salió de las mismas grabaciones de ‘A Night At The Opera’, es de un gran nivel musical y también uno de mis favoritos de Queen.

Por último, un especial reconocimiento a Mike Stone, ingeniero de sonido y productor de éste y de sus anteriores discos.

PD: El ´Making of ...´de este disco ya fue subido a la red. El superfanático chileno "Nano Bulsara" de esta banda lo tiene en su Blog. Qué tal esa Web??

“God Save The Queen”

VAN HALEN: “FAIR WARNING” (1981)

Antes del posicionamiento comercial que les represento “1984”, último disco (del mismo año) con su primer vocalista David Lee Roth, esta etapa de la legendaria banda de Hard Rock los caracterizó -digo yo- por realizar espléndidos álbumes que pasaron inadvertidos luego de su revolucionario disco debut.

Hoy Van Halen se vigoriza nuevamente al retornar a los escenarios la formación original (después de más de 2 décadas) con la integración de un nuevo miembro de la familia: El hijo de Eddie con tan sólo 16 años, Alex Van Halen, ocupa el lugar de Michael Anthony en el bajo.

Imágenes de septiembre 2007 (Fotos VH Web Official Septiembre 2007).

Si a finales de los setenta Eddie Van Halen replanteó la forma de tocar la guitarra con la técnica del ‘Tapping’ e influiría a los demás músicos anticipando el sonido de los siguientes años, en los ochenta daba nuevos lineamientos musicales al Hard Rock incorporando los sintetizadores que tendrían su pleno desarrollo en “1984”. En “Fair Warning” se dan los primeros avances de este uso electrónico en el tema “Sunday Afternoon In The Park”, que tiene su continuación en “One Foot Out of The Door”, cierre del disco con un final de Eddie de chupete retomando la guitarra... Para volver a poner a sonar!!


Pero vamos al principio, el enganche del disco: Esos ‘Riffs’ de Eddie son sensacionales, ¡ese de presentación del disco!, o de “Dirty Movies” o qué me dicen de “Sinner’s Swing”. Eddie no sólo destacaría pos sus ‘solos’ sino también por esto y por la guitarra rítmica a medida que avanzaban los temas.


Es curioso que sus primeros seis álbumes de estudio, con David Lee Roth en la voz principal, creo que ninguno de estos supera los 35 minutos de duración; “Fair Warning” es el más corto: Escasamente 31 minutos y es el que más rockea. Pareciera que eran en exceso selectivos con el material que iban a entregar a sus fans en un disco, ¿o se quedaban cortos y apenas lograban sacar lo suficiente?? En todo caso lo que quedo de esos años permanecerá en el tiempo en vez de esos temas de relleno que cantidad de bandas proporcionan en sus discos, desperdiciando minutos que en muchas ocasiones si los ignorarán alcanzarían a producir un gran álbum.


Un elemento fundamental en este agrupación también es Alex Van Halen, que no se podía quedar atrás con la batería al ver que su hermano Eddie progresaba en el manejo de su instrumento, así que ha medida del paso de los años agrego cada vez más elementos de percusión y para este disco está a la altura de su propuesta. Como anécdota quiero contar que cuando ellos eran adolescentes fue Eddie quien se interesó primero en tocar la batería y se compró una que iba pagando por cuotas, lo que no sabía era que su hermano aprovechaba para aprender a tocarla mientras él trabajaba para pagarla y luego, cuando descubrió que Alex lo superaba en su interpretación, se decidió por la guitarra. Menos mal Je Je.


Por su parte Michael Anthony, el bajista, siempre Ted Templeman (el productor) lo resaltó, no dejándolo en segundo plano como si sucede con otros grupos y juega un papel esencial en la sección rítmica junto a Alex; y David Lee Roth (DLR o “Diamond Rave”) me parece un fantástico vocalista y era un loco frente al público.


Un factor de distinción de la banda y que a mi particularmente me fascina son los coros de Eddie y de Michael (ejemplo Van Halen II) y en este disco se recuperan luego de su experimental predecesor “Woman and Children First” (1980): En ese disco Eddie se dio el gusto de hacer lo que quisiera con su instrumento, puedo imaginar lo aburrido que se debió sentir DLR en su grabación, esa es una de las razones por las que los fans les parece poco atractivo este disco aunque debería ser lo contrario...


¿Qué más puedo decir aparte de las críticas que dejaré de enlace a continuación? Aquí encontrarán Buen Hard Rock, es mi favorito de la banda y no soy el único que ha llegado a la misma conclusión:

• Detalles de su grabación y de sus letras.

• Publicación de Supermusic Index

• “Fair Warning” por Vankier.

• Página en español dedicada a Van Halen

DAVID BOWIE: “ZIGGY STARDUST THE MOTION PICTURE” (1973) CONCIERTOS QUE MARCARON LOS SETENTA (ÚLTIMA PARTE)

El Camaleón sellaba esa noche el ciclo que lo proclamó el máximo representante del Glam Rock. Quería seguir un renovado rumbo que, a la postre, sería una constante en su carrera. Al personaje que había forjado (su alter ego) y a su banda “Ziggy Stardust & The Spiders From Mars” daba fin, tomándose a pecho abandonar luego a estos músicos con los que había grabado los álbumes que lo convirtieron célebre, entre ellos el elogioso guitarrista Mick Ronson.

Uno podría pensar a primera vista que esta presentación ofrece la obra conceptual del disco en estudio “Ziggy Stardust”, catalogado como la obra cumbre de este británico, VALGA DECIR UNO DE MIS GRANDES ÍDOLOS, pero no es así, por lo menos no sólo eso en parte: Es un compendio de algunos de sus éxitos, con unos covers que David Bowie había ayudado a producir (“All The Young Dudes” de Mott Hoople y “White Light/White Heat” de “Velvet Underground”) y otros temas que desconozco su procedencia, bueno podrían ser de su primer LP que me hace falta escuchar: “My Death” y “Wild Eyed Boy From Freecloud”.

Este ‘medley’ me gusta mucho al fusionar tres temas en uno, pienso que levanta el concierto “Wild Eyed Boy From Freecloud”/“All The Young Dudes”/ “Oh! You Pretty Things”

El vídeo contempla la transformación estética del artista, donde la asidua mudanza de ropa y maquillaje brindaron vida a ‘Ziggy’, sin embargo decepciona su pésimo sonido: Por momentos de veras no se cree que sea el mismo concierto que uno está escuchando y viendo. En mi caso es una dicha que hubiera descubierto primero el material de solo audio (viene con el DVD) que sí es óptimo en lo sonoro, considerándolo uno de los mejores espectáculos realizados jamás musicalmente.

David Bowie para ese entonces ya había hecho música espléndida, por ello no es para nada exagerado la concepción que Isaac David otorga de él, que se atribuye a estos primeros discos fundamentalmente: Para no repetir lo del ‘manito’ invito a leer su Web. Sólo quiero agregar que su acertada versatilidad me deja deslumbrado: De Folk (“Space Oddity”, 1969) paso a Hard Rock en estado puro (“The Man Who Sold The World” 1970, mi favorito del artista), después ¡Pop! (“Hunky Dory” 1971, clásico para muchos...) y luego una mezcla de Rock and Roll al estilo de los Stones con pop, jazz, etc. (“Ziggy Stardust” tiene brillantes arreglos y “Aladdin Sane”).

En el momento de este concierto “Aladdin Sane” estaba pegando fuerte, el repertorio de esta gira contenía varios temas de este álbum: “Watch That Man”, “Cracked Actor”, “Time”, el cover de los Rolling Stones “Let´s Spend The Night Together” (en lo personal -tengo que decirlo- no me gustan los covers que hace Bowie, por ejemplo el que haría de John Lennon “Across The Universe” en 1975 me parece ¡horrible!, no me quiero imaginar “Pin Ups”).

Vale la pena agregar que Mike Garson, tecladista, gran protagonista del “Aladdin Sane”, lo acompañaría en esta gira junto a “The Spiders From Mars”, que contaban -como decía- con Mick Ronson, quien contribuía al sonido espacial e hipnótico de este concierto a causa del particular sonido de su guitarra eléctrica.

“Moonage Daydream” es un momento que yo lo clasifico ‘histórico’ en el Rock por ese ‘solo’ de guitarra de Ronson con el que culmina.

La puesta escénica del camaleón es impactante, la teatralidad, un auténtico Rock Star, su voz que presenta distintas tonalidades la he considerado un instrumento importante dentro de su música (alguna vez leí algo así que esa era su intención al igual que para Jimi Hendrix). Dentro y fuera del escenario siempre revela una enorme personalidad, por eso es que supongo ocupo el quinto lugar en un Top que salio hace unos días de "Los 50 hombres con más estilo de los últimos 50 años", realizado por por la revista GQ en Estados Unidos.

“Width of a Circle”, hito inicial de “The Man Who Sold The World”, este tema es fuerte, en el medio hay un improvisado ‘solo’ de guitarra y percusión que se acelera al punto que las primeras veces que lo escuché al máximo nivel de volumen me dejaba sordo. Se los juro.

Parte 1

Parte2

Este concierto tuvo lugar en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. En su tiempo no fue famoso porque salió publicado una década después. El primer disco oficial en vivo de Bowie fue David Live! de 1974: De avalada reputación, incluiría temas de su siguiente trabajo “Diamond Dogs”, pero cuenta con otra alineación de músicos.

En la actualidad es una tristeza que el nombre de David Bowie pase desapercibido en la industria de la música, y sí -qué rareza- se destaca en el campo tecnológico (no recuerdo por qué). Pero fue sin discusión uno de los más innovadores a comienzos de los setenta de la música, quiero dejarlos con una publicación nostálgica del camaleón de su grandeza en esos años (tiene 100 comentarios ese post!!!!!!!!!!!!!!).

Y “Life On Mars?”, “Starman”, “The Jean Genie”, “Drive On Saturday”, “Five Years”, que hacían parte del repertorio de la gira, quedaron por fuera en su último concierto. Qué importa. Los dejó con una de las mejores canciones del siglo pasado “Ch Ch Ch Changes”.

"Not only is it the last show of the tour, but it's the last show that we'll ever do. Thank you", Ziggy Stardust.

Galería de Fotos del show de "Ziggy Stardust".

No podía concluir este especial “Conciertos que marcaron los setenta” omitiendo el concierto de The Who “Live At Leeds” de 1970. Pensaba que era del ’69, pero iba decir que se consiguen ‘bootlegs’ o discos no oficiales en vivo de sus presentaciones de los setenta. Además ya hice una entrada a este banda. Por qué lo cito? En general este concierto es una celebración a la música Rock : Tocan con una intensidad sus integrantes... Este concierto ha desplazado a mis ultra archifavoritos “The Rolling Stones” a pesar que estoy ahorita conociendo su disco “Some Girls” que también es muy bueno y conozco sus clásicos.

Ahora bien, a comienzos de esa década el teatro de Fillmore tuvo el privilegio de presenciar unos superconciertos, para citar sólo dos: a la banda “Humble Pie” y “The Allman Brothers”. Ahora que veo esto hubiera sido mejor denominar este especial “Conciertos que marcaron el transcurso de los setenta”, porque a comienzos de la década se llevaron a cabo muchos trascendentales que no hable y en cambio me dediqué ‘a hablar carreta‘ de los más comerciales y a los que personalmente considero imprescindibles que se dieron durante esa década.

Eric Clapton, 461 Ocean Boulevard (1974)

Injustamente tildado, cuando apenas salió a la venta, con opiniones nada alentadoras -al igual que ha sucedido con otros discos ¡de por Dios!!-, a medida del paso del tiempo sus menos preciados críticos tuvieron que tragarse sus palabras iniciales, a tal punto que hoy lo consideran ‘primordial’ dentro de la basta discografía de este guitarrista ilustre que ha dado el Blues y el Rock.

También yo llegué a aborrecer este álbum en las primeras escuchas... Éste preliminar juzgamiento -¿equivocado?- se fundamenta por lo siguiente: En los ’60 e incluso en su pasado álbum “Layla” (uno de mis grandes favoritos de todos los tiempos), este inglés había llevado el Blues (música tradicional americana, su principal influencia musical como para muchos músicos de su país de esa generación) a niveles inimaginables, impregnándole psicodelía en la era de Cream por ejemplo, pero principalmente este género -cómo decirlo- lo tocaba eléctrico disparatadamente fuertísisimo. En especial en vivo.
No en vano en Londres en aquella época habían grafittis regados por las calles que rezaban una sentencia que lo elevaba a la categoría de ser supremo: “Clapton is God”. Bien, ahora Sir Eric Clapton presentaba “461 Ocean Boulevard” que inesperadamente contaba con todo lo contrario de lo que lo había distinguido: Es un disco calmado que si se lo ponen a su madre (trato de decirlo con cariño) no va a irritarse, con seguridad se va a mover si le encuentra el ritmo a los primeros temas que constan de una diversidad palpable (incursiono inéditamente, entre otros, en el terreno del reggae al versionar I Shot the Sheriff de Bob Marley).

Además, diría que el nivel de escucha es diferente a los discos que he hecho referencia en este Blog: Lo resumo en una experiencia placentera que consta de suaves pasajes, logrados en parte al sonido de un ‘dobro’ (suena casi idéntico que una ‘Steel Guitar’) en tres temas “Gimme Strength”, “Please Be With Me” y “Let It Grow”: Temas relajantes, las dos últimas son lindas baladas compuestas por Eric.

Por otro lado, para mostrarles a sus fans que no había abandonado sus raíces musicales recobra dos temas bluseros: El infaltable de su ídolo Robert Johnson (“Steady Rollin’ Man”, me llama la atención el sonido de la guitarra en el ´solo´) y el otro de Elmore James (“I Can’t Hold Out”). El resto es una mezcolanza de música ‘country’ y otras cosas atractivas en cada nueva escucha.

Al final de varios temas se alcanza a notar lo bien que la estaban pasando en su grabación. La edición de lujo, que salió en su 30 aniversario, incluye material extra de esas sesiones (´jammings´) y parte de la promoción del disco que recoge -lo mejor supongo- de dos de sus presentaciones de esa gira. ¿Sería loco decir que el final de ´Let It Grow´ se asemeja al de "I Want you She´s So Heavy", genialidad de Paul/Lennon como todo el disco "Abbey road" de los Beatles??

Es importante decir que este fue el primer trabajo que ´Slowhand´ (así también se conoce a Clapton) grabo libre de la heroina que lo mantuvo inactivo los primeros años de esta década, luego de internarse en un centro de rehabilitación (gracias a Pete Townshend, guitarrista de The Who). En cuanto se recupero de este vicio se hospedo en Miami y el título del álbum sería el nombre de la calle en donde estaban ubicadas estos estudios de grabación. Todo ello debio conrribuir a este producto de índole sosegada.

El gusto por este nuevo estilo marcaría el resto de su carrera y desde entonces para complacer a sus fans que ansiaban al Clapton ‘endemoniado’ de sus primeros años de éxito, tocaría sólo en directo algunos chispazos de su repertorio pasado. También fue a partir de este trabajo que Clapton se rodearía de buenos músicos que si bien, no tienen el reconocimiento de sus ex compañeros de banda de los ‘60 como Ginger Baker, Jack Bruce, Duane Allman, entre otros, sí realzaron sus producciones como en este disco. Fin.


Información complementaria sobre este disco en la apreciación del excelente crítico Alberto Manzano, director de la Web El Almacen del Rock.

PD1: Supongo que fue por estos años, lo escuche en una emisora tropical hace unos años, que ‘Slowhand’ mezcló su guitarra con un importante representante de la música ‘salsa’. Seguramente algo parecido a lo hecho por Santana a finales de los sesenta.

PD2: Si no lo ha hecho, lo invito a votar arriba en la columna de la izquierda sobre qué le parece este Blog. NO TARDA UN MINUTO DE SU TIEMPO.

PD4: He vuelto a retomar dos discos de Led Zeppelin (los que leyeron el anterior post saben de la razon de mencionarlo ahora): el “IV” y “Houses of the Holy”; por otro lado, una nueva banda que estoy conociendo por estos días es “Love” con su disco “Da Capo”.

CONCIERTOS QUE MARCARON LOS SETENTA (TERCERA PARTE)

LED ZEPPELIN, “THE SONG REMAINS THE SAME” (1973)

El ostentoso talento de Jimmy Page con la guitarra, tanto eléctrica como acústica, se propagaba a pasos gigantes desde que constituyo esta formación de ensueño a finales de los sesenta. Led Zeppelin de su mano había producido cinco álbumes que impulsaron su fama mundial como ninguna otra en ese momento -hey, todavía!-. Celebrado en el Madison Square Garden de New York, éste fue el único material oficial en vivo puesto al público mientras estuvieron activos.

Es grato hacer por estos días un post sobre una de las bandas de Rock más importantes de todos los tiempos, debido a que han vuelto a encabezar las portadas de los medios de música: Ante todo se conoció de un único reencuentro que se llevara a cabo en Londres, después de varias décadas, en aras de apoyar una causa benéfica; por otro lado, se lanzarán dos nuevas publicaciones con la novedad en uno de ellos de ofrecer material inédito de su presentación de la que estamos haciendo referencia, incluyendo uno de mis temas favoritos de la banda, The Ocean.

El vídeo de arriba es un homenaje a este mítico cuarteto que quiero compartirles: ofrece imágenes de ellos acompañadas, como estimulante sonoro, de la canción original “The Song Remains The Same”, también una de mis favoritas de ellos, con la que abre su quinto álbum “Houses of The Holy”. Este documental, habrán notado, se titula de la misma manera que la canción; como se puede ‘ver’ su propósito, aparte de su puesta escénica, consiste en mostrar los roles de cada uno de los miembros fuera de la banda y capturar el momento de los cuatro músicos antes, durante y después del concierto.

Pasemos ahora sí al concierto. Una simpática descripción de lo que nos encontramos aquí.... Recomiendo ese Blog; hablando en serio mi opinión:

Son tantos aplastantes hits que compusieron, no igual puedo decir de sus álbumes a excepción de los dos primeros, por esta razón y porque además no me satisfacen totalmente (no sé qué es.. ¿Su estilo a veces?..) no están entre mis 10 grupos favoritos, en un Top 20 sí seguro: Aunque en el tercer disco me parece que salen bien librados en su intromisión en el terreno del folk, así sea que a algunos les parezca el más flojo; el IV en cambio, con la admiración que la mayoría le da a este disco, PERDÓNENME DE VERAS SI NO HE SABIDO APRECIAR ESTE DISCO, pero para mí esta muy sobrevalorado y sólo rescato sus tres temas más conocidos: Blag Dog, Rock &Roll y Stairway to Heaven (clásico); y en “Houses of The Holy” las tres primeras me fascinan junto con “The Ocean”, el resto del disco menos que más...

Y hay voy con la discografía del grupo, siguiendo cronológicamente sus trabajos, llegando a este concierto que en su tiempo fue lanzado tres años después de su realización. Pues todos los aplastantes temas de sus cinco primeros trabajos están aquí y en realidad no sé si me arrepienta de haber visto este concierto después de conocer sus primeros trabajos, porque la desenvoltura en particular de Jimmy Page en el escenario con su instrumento es bestial, su guitarra eléctrica suena mejor aunque por momentos se queda corta como en el solo de Stairway To Heaven y allí uno si puede notar los arreglos que tiene este tema en estudio, ademas que no se apoya en otro guitarrista como si hace por ejemplo Jeff Beck. Como consecuencia le toca hacerlo todo: Guitarra rítmica, ‘solos’, aquí pierde un poco de encanto la música si se le compara con sus trabajos de estudio (Black Dog fue elegida hace poco por especialistas como la mejor cancion de guitarras de la historia...). Reitero, no obstante, el sonido de su guitarra pienso que suena mejor en vivo.

"The Rain Song" de la película

Bonham consolida ser uno de los mejores bateristas del mundo (para muchos el mejor, debe ser que no han escuchado a Keith Moon de The Who sobre la tarima ...) sonando sólido, fuerte, a causa de su inusitada agilidad para tocar las partes de su instrumento. A Jonh Paul Jones se le ve en su doble faceta como músico intercalando su bajo por los teclados. Debo decir que en “No Quarter”, en donde Jones se roba al comienzo del tema el protagonismo de Page, es un tema que no me termina de convencer, aunque en esta versión en vivo Page suena mejor que la versión de estudio y prolonga su ‘solo’ en la segunda mitad y sobre el final del tema. Y la voz de Robert Plant, el frontman, no me parece que este quemada como se lo he escuchado a más de uno que conoce también este concierto.

Led Zeppelin en vivo se prestaba, como se puede ver en esta película, para que Page y Plant experimentarán con sus instrumentos sacando reverberaciones de su instrumento, jugando con los efectos que eso produce. Page también confirma los rumores de que esos sonidos raros de su guitarra en el primer disco son ciertos, tocando en el medio de “Dazed and Confused” su guitarra con el arco de un violín y seguidamente se lanza un ‘solo’ extremadamente largo y excitante que anima a la gente a aplaudir en su final, esta es la parte central de todo el recital de la noche.

"Since I've Been Loving You", ese ´RIFF´ de Page de entrada es demasiado pasado

Queda por decir, para no seguir hablando tanta carreta, que en la penúltima canción el show se lo lleva Bohnam en “Moby Dick”, sólo que aquí la versión que había presentado para el segundo disco la prolonga por catorce minutos. Como particularidad de este ‘solo’, Bonzo toca con la palma de sus manos unas congas antes de retomar con las baquetas los demás elementos de percusión.

Como pueden leer he disfrutado mucho este concierto, sin embargo los temas acústicos que nos presentan en sus trabajos de estudio no están, incluso Stairway To Heaven fue tocada todo el tiempo con una Gibson eléctrica de doble mástil. Según me han comentado, en otra época como la grabada en su concierto How The West Was Won, estaban en mejor forma, habrá tiempo después para eso.

PD: ¿A qué horas me metí en esto de los Blogs?

YES, "FRAGILE" 1971

La fórmula de enaltecer las virtudes de los miembros de la banda por separado, como ya lo habían desarrollado Pink Floyd (“Ummagumma” ,1969) y Emerson, Lake & Palmer (ELP, 1970), la repetiría esta representativa formación del Rock Progresivo en su cuarta producción de estudio. Una obra clásica que manifiesta el resplandor de este género musical a comienzos de los setenta.

“Yes” figuraba por fin desde su pasado trabajo (“The Yes Album”, con la integración al grupo de Steve Howe en las guitarras) emprender un camino definido en su trayecto musical -de ahí intuyo el título del álbum para que sus managers no les cancelara el contrato luego de dos desafortunados primeros trabajos-, que paralelamente contaba con el respaldo del público.

Sin embargo Tony Kaye, el teclista, no se acomodaba a este renovado estilo; en “Fragile”, Rick Wakeman lo releva y esta nueva alineación sería la que a través de los años sus fans la nombrarían como la formación clásica de la banda. Es una lástima que sólo hubieran grabado dos álbumes juntos: “Fragile” y la épica ”Close To The Edge”, la cual, contrario a lo que se ve en el disco en mención, sus cinco integrantes unirían su talento para constituir tres únicos temas de una profunda ambición y complejidad: Para dar un dato general el tema que da título al álbum dura cerca de veinte minutos y las otras dos como diez minutos cada una.

En “Fragile” es poco convencional que precisamente un disco con esa denominación de “clásico”, este conformado por partes fragmentadas que si revisamos la totalidad del álbum nos dan una colección de temas dispersos entre ellos. Cada músico, inclusive Jon Anderson su vocalista, contribuyo con un tema; según lo cuenta Federico Fernandez en su estupendo repaso por este disco, las cinco canciones individuales fueron material de relleno para completar el álbum.

En todo caso comparto su apreciación de que las canciones que le dan el calificativo que ostenta como clásico son las restantes SEÑORES cuatro piezas y una de las razones de peso para preferir este disco que al posterior. “Roundabout”, su sencillo de mayor éxito en su carrera es una demostración de una composición ‘PERFECTA’ de corte progresivo. El bajo de Chris Square me corta el aliento! Ni que decir del resto de músicos… Y así podríamos continuar diciendo lo mismo de “South Side of The Sky”, “Long distance Around” y “Heart of The Sunrise”. Letras y anotaciones en español e inglés del “Fragile”.

“Roundabout” fue un boom comercial a pesar de que la versión de radio estaba editaba; ésta es la versión completa que abre el álbum

En los cortes de solos individuales destaco el de Steve Howe con la guitarra española: Es uno de los más bellos que he escuchado, siempre lo repito antes de seguir con el final del disco y me ha hecho recordar otros solos acústicos de diversos guitarristas como Eddie Van Halen, Bob Weir, Jeff Beck, Tony Iommy, Eric Clapton... Creo que voy a quemar un disco con esos temas. También destaco el aporte de Rick Wakeman el cual es un cover de un tema de ‘música clásica’ de Johannes Brahms.

“Mood For A Day” de Steve Howe

“Cans and Brahms” de Rick Wakeman

"We Have Heaven" de Jon Anderson

En cambio Bill Brudford se pifea con ese miserable tema “Five Por Cent For Nothing” de unos cuantos segundos... Tampoco le encuentro sentido al reprise de We Have Heaven de Jon Anderson cuando termina el disco; siempre bajo el volumen cuando llega esa parte fastidiosa. Hubiera querido colgar todo el álbum. Me fue imposible. Otro tema que vale la pena mencionar (si no lo conocen descárgenlo en Internet) es “Heart of The Sunrise” por su desmesurado intro -Yes Really Rocks!- y consecutivamente Jon Anderson se manda una de las mejores interpretaciones grabadas jamás...

Finalmente les comparto la experiencia de un melómano con este disco. ¿Y a ustedes queridos lectores cómo les parece este disco? Si también conocen “Close To The Edge” o /y The Yes Álbum, ¿Cuál les gusto más y sus razones de esta argumentación?

Manticornio, página especializada en Rock Progresivo, con su crítica de esta obra.

CONCIERTOS QUE MARCARON LOS SETENTA (SEGUNDA PARTE)

KISS ALIVE! (1975)

A estos neoyorquinos les pasaría un año antes lo mismo que había comentado de Peter Frampton: La colosal acogida que tuvo su disco en vivo los cogió por sorpresa; sólo con la diferencia que en ese momento todos los ojos -digo oídos- estarían puestos en su siguiente trabajo que sería “Destroyer”. Esa es otra historia, vamos con Kiss Alive! "Deuce"

...The Hottest Band In The World: KIIIIISSSS!!!! Asistimos en mi humilde opinión a los primeros 35 minutos más calientes en la historia de la música. De esa presentación a esta banda no me queda la menor duda. A medida que uno conoce mejor este concierto contempla que evidentemente ellos lanzaron su repertorio más vigoroso (que habían compuesto hasta ahora) en su apertura, en esta primera parte.

Por Dios Santo o por todos los demonios!!!... Cómo toca Ace Frehley la guitarra principal (Lead Guitar) en esta primera parte del concierto: Es “asesina” (“It´s a killer”). En tanto que los demás integrantes de la banda ejecutan una labor decorosa; al final de esta publicación están los merecidos créditos para todos.

"Got To Choose"

"Hotter Than Hell" "Firehouse"

Un receso separa como siempre los conciertos de estos tiempos en cada lado del doble LP, ya que en este formato apenas cabían entre 20 y 25 minutos en cada parte; no obstante, aquí los temas después del primer descanso del primer disco siguen impregnados de la misma energía de Hard Rock de sus predecesores. Y el final por parte de Ace Frehley en “She” es más que prometedor. Épocas irrepetibles!!!

En este punto es importante resaltar todo este material desconocido para la mayoría que hasta este momento había realizado Kiss en sus tres primeros discos y que dieron lugar a este concierto inolvidable. No los conozco como tampoco los de Peter Frampton. ¿Qué se podría decir de sus grabaciones en estudio en comparación con este concierto? ¿Será cierto que esta actuación que todos conocemos la maquillaron en estudio o son más bien muestras de impotencia de un concierto incomparable como siempre he pensado?

Si bien Kiss dejó su huella en el Rock por sus espectáculos en vivo: La puesta en escena de sus componentes estaba cargada usualmente de maquillaje, cada uno de ellos además representaba una cosa (bla bla bla) y la parafernalia del show como tal; su música en este concierto es lo que tiene valor por encima de lo que sucedió en la tarima. De hecho esta publicación salió editada sólo en audio y no en vídeo y yo por ejemplo apenas he visto fragmentos del concierto en trabajos posteriores de vídeo de la banda o simple por YouTube.

Continuo con Kiss Alive! La segunda parte -para ser sincero- no es lo asombrosa de la primera, pero hay partes para rescatar que igual los disfruto: En “100.000 Years” ese ‘solo’ de batería de Peter Criss -"pues claro", dirán- que dura cerca de diez minutos, mientras sobre el final Paul Stanley anima a la gente a vivir el Rock and Roll; las siguientes dos canciones, "Black Diamond" y “Rock Bottom”, que parecieran por su comienzo baladas son piezas innegables de Hard Rock también. Y para terminar esta uno de los himnos que asentó esta banda que pertenece a éstos sus maravillosos primeros años: “Rock N’ Roll Nite”.

KISS ALIVE!

Cobo Hall de Detroit entre otros escenarios

Ace Frehley: Guitarra principal
Gene Simmons: Bajo y Voz
Peter Criss: Batería
Paul Stanley: Guitarra rítmica y Voz

Productor: Eddie Kramer

Detalles adicionales contados por Claudio Villarroel Sepúlveda, un fan chileno que reseño los primeros discos de Kiss.

Crítica de Aloha (me va tocar enlazarlo en la columna de la izquierda).

Los diálogos de Paul Stanley con la audiencia en español.

Otro aspecto de las actuaciones que quiero mencionar porque para mí es emocionante -les puede parecer obvio-, tiene que ver con la reacción de la audiencia ante los artistas que están presenciando en vivo. La gente se vuelve loca de remate como saben. En Frampton Comes Alive me hizo falta decir que este aspecto es recurrente como en ningún otro concierto de este especial.

Quedan faltando dos conciertos que saldrán en futuras entregas: “The Song Remains The Same” de Led Zeppelin y “Ziggy Stardust, The Motion Picture” de David Bowie.

MÖTLEY CRÜE, NEW TATTOO (2000)

¿Qué habrá sentido Tommy Lee, el baterista original de Mötley Crüe, al escuchar este material que grabaron sin él? Tengo la certeza que una rara mezcla de deslumbramiento y abandono. Porque sencillamente este disco rockea -¡y de qué forma!!- sin su presencia, la cual se podía creer era indispensable entre de por sí sus otros talentosos músicos. Mötley Crüe Rocks!

"HELL ON HIGH WHEELS" (Primer tema y único sencillo del álbum) Pónganle a atención a Nikki Sixx al mando del bajo, por algo es el líder del grupo no sólo por ser su compositor central.

20 años se iban a cumplir de esta banda de Hard Rock con tonalidades metaleras procedente de Los Ángeles que coincidían con la apertura del siglo XXI, para lo cual al parecer querían celebrarlo con un nuevo disco. Sin embargo, el panorama no era el apropiado: La relación entre Tommy Lee y el vocalista Lee Vince Neil se había empañado en su última gira provocando la salida indefinida del fenomenal baterista.

En su reemplazo, Nikk Sixx enfilo a Randy Castillo quien había tocado con Ozzy Osbourne y si no fuera por su muerte dos años más tarde por cáncer vaya uno a saber si habrían pensado de nuevo en Tommy Lee y tendríamos su espectacular show “Carnival of Sins (2006)” tal y como lo conocemos, con todos los miembros originales tocando de nuevo en una presentación de su última gira.

Mi tema favorito del disco es ”Punched In The Teeth By Love”. Aquí en vivo en la promoción de este disco. Randy Castillo por problemas de salud fue sustituido por Amantha Maloney quien toca bastante bien.

De este disco deduzco por anónimos comentarios que es el regreso al sonido de su primera década en los que fueron los abanderados del lema “Sex, Drugs & Rock and Roll”. Y digo “deduzco” porque no conozco sus discos de los noventa, que según parecen ser los más interesantes de su carrera sin olvidar sus primeros clásicos Too Fast For Love, Shout Al The Devil y Dr. Feelgood.

No era la primera vez que uno de ellos estaba ausente en la realización de un álbum. En el disco que denominaron con el mismo nombre de la banda (de ahí viene una discusión del título de ese disco de 1994) Jhon Corabi ocupo el lugar de Lee vince Neil. Para “New Tattoo” también le pidieron Mike Clink, que estuvo entre otros con los Guns and Roses, que les colaborará en la producción.

“New Tattoo”

“New Tattoo” (balada que da título al disco) y “Hollywood Ending” sirven de reposo entre el resto del álbum cargado sobre todo de overdubs eléctricos por parte de Mick Mars. En estas dos canciones este guitarrista -no comprendo porque nunca aparece en esos “top” tan controversiales de música- toca también la guitarra acústica y le “sobrepone” (esta bien dicho??) la eléctrica logrando un trabajo digamos que aceptable.

“Dragstrip Superstar”

Un disco bacano en resumidas cuentas. “Dragstrip Superstar”, que le sigue a ”New Tattoo” en el álbum es el segundo corte que más me gusta.

Y en 15 días la continuación del especial "Conciertos que marcaron los setenta" con Kiss Alive!

CONCIERTOS QUE MARCARON LOS SETENTA (PRIMERA PARTE)

He postulado cuatro actuaciones de Rock que, por más que aceptables en su recepción a través del tiempo, fueron denominados como clásicos. Miento. Yo quise hacer este especial, repartido en varias entregas, al considerarlos esenciales dentro de la larga trayectoria de estos grupos o artistas. Porque a lo mejor fue su momento más alto, antes que tener en cuenta que la crítica y los fans también hayan llegado a la misma conclusión. Así como puede ser coincidencia también puedo estar equivocado. Mi juicio, al fin y al cabo, es lo único que me vale...

Todos los conciertos que he escuchado a la fecha me han parecido fantásticos: Han superado mis expectativas. De diferentes décadas. Como es de esperarse, recogen sus éxitos, con covers de sus músicos más influyentes, e improvisaciones (‘Jammings’) y ‘solos’ que se prolongan a veces por más de diez minutos de duración. En ocasiones sus versiones en directo superan las de estudio, en otras no como es lógico.

Repito: Escogí sólo cuatro. Hay muchos más, por supuesto, de los cuáles no hablaré, dado que o no los conozco aún (espero escucharlos algún día) o no me cautivaron tanto. ¿Cuáles escogerían o qué agregarían a lo que acabo de decir! Les anticipo los otros tres que saldrán en futuras publicaciones: Kiss Alive! de 1975, “Ziggy Stardust, The Motion Picture” de David Bowie y “The Song Remains the Same” de Led Zeppelin. Éstos dos de 1973.

FRAMPTON COMES ALIVE! (1976)

Fue el concierto más vendido por décadas. "Peter Frampton es este disco", así quedo marcado gloriosamente (¿o por desgracia?), pues nunca se podría quitar este apelativo que lo inmortalizaría para toda la eternidad. Este guitarrista grandioso, compositor y cantante inglés lo reconoce.

Significativa su técnica con la guitarra eléctrica. Transmite un sonido especial; "limpio" me habían dicho antes de escucharla. Sí, unas notas nítidas, únicas, sello de este músico, que ni la mejor producción en estudio sería capaz de lograr. Ejemplo de ello es el tema pegadizo “Somethin´s Happening” que abre el concierto y en general durante cada tema eléctrico porque también hubo cabida para desconectarse por unos momentos e interpretar sentidos temas acústicos como "All I Want To Be (Is By Your Side)" o la instrumental, muy buena, “Penny For Your Thoughts” que abre el segundo disco.

"SOMETHIN´S HAPPENING"

"PENNY FOR YOUR THOUGHTS"

De principio a fin son espectaculares todas las canciones. Peter Frampton venia de dejar hace unos años a la agrupación Humble Pie, en la que se hizo famoso, para embarcarse como solista lanzando unos discos sin tanto recibimiento como esta presentación de San Francisco. “Show Me The Way” es una de las más recordadas por ese efecto de pedal “Wah Wah” con la guitarra eléctrica (vídeo).

Se podría decir que la segunda parte es un poco más fuerte por “Money” y “Shine On”, temas que creo pertenecían a Humble Pie. Después resalto, siguiendo la secuencia del concierto, la original versión del clásico de Mick Jagger y compañía, “Jumpin Jack Flash”, y su último tema "Do You Feel Like We Dooo", cuando al recurrir por un buen tiempo al "Talk Box", Mr. Peter Frampton se manda un ‘solo’ deslumbrante con el que cierra su concierto.

Sólo encontré una opinión en español que valiera la pena en Internet de este disco indispensable en la colección de todo melómano del Rock Clásico. Con decirles que para 1978 se dice que al menos si una persona en cualquier parte del mundo no tenía el disco era porque un amigo suyo lo había comprado. Fueron 16 millones de copias vendidas!

Para los interesados en la trayectoria musical de este guitarrista: El año pasado publico “Fingerprints”, su última producción, que parece interesante por el siguiente artículo que me encontré en Internet.

¿QUIÉN SIGUE? THE WHO: WHO’S NEXT (1971)

Respetados ingleses por sus “explosivas” audiciones desde mediados de los ‘60. Sin embargo, sus primeros trabajos de estudio no demostraron todo su potencial escénico hasta este trabajo, su más reconocido, al cual le adicionaron sonidos electrónicos, dándole un aire de frescura a la banda. Pero quién?? Cuál banda?? The Who.

Una pruebita de lo que acabo de decir: Baba O’ Riley, primer tema del disco en vivo!

Parte del éxito de Who’s Next se debe a que todos los integrantes conocían las canciones y las habían tocado un tiempo. Luego de la salida del álbum conceptual “Tommy” que los consagró a la fama, Pete Townshend, su principal compositor y guitarrista, se embarco en una nueva opera-rock, “Lifehouse”, a la que termino desistiendo en 1970 porque, en últimas, él era el único que la entendía (incluso sufrió un colapso nervioso por esto).

Así que gran parte del material grabado en esas sesiones conformaría este álbum que fue desarrollado por Townshend: Empleo complejos y fascinantes sonidos de sintetizadores, compuso casi todos los temas tanto en la parte lírica como en la musical, sólo que en esta última la dejó muy básica para que los demás miembros de la banda le agregaran su estilo tan particular.

Además, el pianista Nicky Hopkins, famoso porque ya había colaborado a los Stones y a Jeff Beck, contribuyo en dos temas (“The Song is Over” y “Getting In Tune”); el violinista Dave Arbus aportaría en el final de Baba O’ Riley y, sorpresivamente, John Entwistle, bajista de la banda, tocaría un corno francés en el tema que él escribió y canta “My Wife”.

Un nuevo productor, Glyn Johns, llego a afinar este trabajo y logró un sonido tan nítido, tan limpio que se nota con tanta claridad cada uno de los instrumentos: el atrayente sintetizador, el aplacado piano, la agradable guitarra acústica, la aplastante guitarra eléctrica, el descomunal bajo, LA DEMOLEDORA BATERÍA, la mejorada voz de su cantante Roger Daltrey.

Y es que The Who poseía en ese entonces, antes de la muerte de su baterista Keith Moon, quizá la más potente sección rítmica de la historia: John Entwistle y Keith Moon conformaron un dúo inigualable. Esto le amerito el título por parte de los fans de “The Greatest Rock & Roll Band In The World”, que a finales de los ’60 descaradamente se denominaron ellos mismos The Rollling Stones, aunque con méritos de sobra...

Agreguemos que contaban con uno de los mejores compositores de todos los tiempos como Pete Townshend (eso dicen) que es un excelente guitarrista, y de su frontman, Roger Daltrey, que también es uno de los mejores. Este es el testimonio de Federico Fernández, un fanático argentino de los Who, de lo que acabo de decir. Yo creo que tiene mucho de razón. ¿Ustedes que piensan???

Volviendo a Who’s Next, más importante que Townshend haya sido el gestor de la música en este disco, no he escuchado hasta el momento una forma de tocar la batería como lo hace este maldito de Keith Moon en este disco: es un deleite total cada vez que entra este desquiciado con sus baquetas a golpear todo lo que tiene a su alrededor. UFFF, es demasiado para mis oídos, sentimientos que las palabras no alcanzan a describir…

Al igual me alborota la cabeza, entre muchas otras cosas pero esta es inusual, el manejo extenso del "efecto Wah Wah" de la guitarra eléctrica por parte de Townshend en "Going Mobile". Excitante, muy excitante.

En fin, Aloha da una definición más acertada de este disco. Para terminar quiero pasarles un relato literario (recomendadísimo, es uno de mis preferidos, seguro) de un fan colombiano de la amarga visita de Roger Daltrey y David Gilmour a nuestro país hace unos años. Y un directo con la canción que cierra el álbum. Recomiendo una versión del disco que trae “Bonus Tracks” con temas adicionales de ese periodo.

Extraño final porque por lo general destrozaban sus instrumentos. Aquí sí lo hacen.

NO PARAN DE RODAR LOS ROLLING STONES DESPUÉS DE 45 AÑOS...

En una época en la que se habla de nuevos encuentros de bandas legendarias -"Cream" y "Soda Stereo" fueron los últimos-, Los Rolling Stones han sido LOS ÚNICOS presentes en el panorama musical con cierta regularidad desde su formación en 1962 hasta estos días en los que ya son sexagenarios.

Publicando por costumbre un nuevo disco para demostrar que mantienen su espíritu rockero de renovación, se van con este pretexto por todo el mundo a presentarse en vivo. Este mes retomaron en Europa su gira “A Bigger Bang” que había arrancado en agosto del 2005 y que represento el año pasado la más lucrativa de toda la historia, claro, sin incluir el concierto gratuito que ofreció en Copacabana, Brasil, que también marcó un récord mundial de asistencia: Aproximadamente de 1.500.000!.

Y al parecer continuaran ´rodando´, literalmente, “hasta la muerte”, así lo declaró en estos días Keith Richards, su guitarrista principal, a un medio alemán; pensar que la primera vez que les preguntaron sobre si sería su última gira fue en 1966 (esta filmado).

Su preparación en la que asumen el reto de embarcarse en un tour mundial está lleno de detalles que la famosa revista, del mismo nombre de la banda, Rolling Stone reveló en su edición impresa hace dos años en unas entrevistas fabulosas de David Fricke a cada uno de los miembros de la mítica banda:

Efectivamente los miembros de la banda saben lo que implica cada gira y en el caso de Mick Jagger, su estrambótico vocalista, para convertir entretenido cada show: “en todas las noches hay que tratar de volver a sentir esa frescura, para que cuando salgas al escenario el público también lo sienta así… Es interesante y es un desafío hacer que la cosa perdure”.

En cuanto a la permanencia de la banda, Keith Richards manifiesta: “Dos o tres tipos no hacen una banda (caso Jagger-Richards-Watts), tienen que querer ser una banda y abandonar los intereses personales, todo ese típico egoísmo como ¨Ese es mi solo¨…”

También cuentan que durante ese tiempo del tour están en su totalidad concentrados en el repertorio que van a tocar en cada presentación, lo que no les deja tiempo en componer canciones nuevas. Sobre la selección de los temas les tiene sin cuidado lo que quiera el público en cuanto a que prefieran escuchar sus clásicos en vez de unos temas de su última producción.
Por último, acerca de si sus shows han caído en una monotonía todos estos años, Keith Richards habla que los Stones nunca son lo mismo: “El ambiente cambia. No sé de de dónde viene, si de la banda o de la música. Tal vez simplemente todos están contentos en volver a vernos”.

Al respecto, sobre la persistencia de esta institución del Rock&Roll, no faltan quienes consideran que ¨estos viejos¨ hace rato debieron haber abandonado los escenarios. Yo digo que si sus espectáculos han mantenido la atracción de tanta gente por cuatro décadas es porque han acumulado una energía inagotable hasta este momento para rockear. Aquí están dos posiciones opuestas (de hace 5 años) del papel de los Rolling Stones en las últimas décadas.

Por el momento yo celebro que la agrupación que más he apreciado estos años, principalmente por sus discos de su época dorada (Let it Bleed, Sticky Fingers y Exile On Main Street), se mantenga activa y estaré pendiente de la pronta salida de The Biggest Bang: Un Box Set compuesto por 4 DVD´s que recopila partes de sus conciertos alrededor del mundo de su actual gira.

Keep On Rockin´!

ANIVERSARIO 40 DEL SARGENTO PIMIENTA

El 1 de junio de 1967 se lanzó al mercado la que sería considerada con el tiempo (casi por unanimidad tanto para la crítica como para los fanáticos) la mejor obra musical de todos los tiempos. The Beatles dejaron atónitos a sus contemporáneos -y a las futuras generaciones como a mí- con "La banda de los corazones solitarios del Sargento Pimienta" por su inaudita grabación, originalidad en su concepto e innovación en su estructura musical, demás variada.

Y enseguida este álbum se convirtió en una alabanza ese "verano del amor". Tras la expectativa por los rumores de la muerte de Paul Mc Cartney, dado que la banda no había vuelto aparecer en público desde agosto pasado cuando decidieron no dar un concierto más (hastiados por la fama), la gente se reunía para hallar mensajes ocultos en el disco y lo escucharon hasta el cansancio.

Primero, llama mucho la atención su extravagante portada, realizada por Peter Blake, en la que se encuentran personajes del mundo de la época y de la historia de la humanidad. Es ”una celebración popular”. Entre ellos los antiguos Beatles y su ´alter ego´la banda del Sargento Pimienta.

Si se revisa las fotos anexas que vienen con las letras de las canciones se notará que hay un concepto entorno a la banda del Sargento Pimienta. Los dos primeros temas (ver vídeo de arriba, le falta el inicio en el que la audiencia está ansiosa y los músicos están afinando sus instrumentos) abren con la presentación de esta banda en vivo: El primer tema anunciando “esperamos que disfruten el show”, aunque después hay un corte retomando sólo hasta la penúltima canción del disco el mismo tema del comienzo ya para despedirse “Esperamos que hayan disfrutado del espectáculo”.

Ahora bien, Los Beatles para su realización le pidieron a George Martín, su productor, toda clase de excentricidades sonoras, pues querían en su ambicioso proyecto “sonar diferente”. TODO esta manipulado lo que lo reivindica como un álbum experimental. Su grabación fue innovadora al utilizar 2 consolas de cuatro canales cada una, también se incorporó la técnica de la Direct Injection en la que por primera vez los instrumentos se podían grabar directamente a una caja de grabación (antes tenían que pasar por los micrófonos). 700 horas fueron necesarias para el producto final de un poco menos de 40 minutos.

En cuanto a los temas, es realmente sobresaliente el trabajo de George Martín con los arreglos finales y la composición de Paul Mc Cartney y Jhon Lennon en casi todos los temas: En Being for the Benefit of Mr. Kite da la sensación de estar en un circo, ¡impresionante!; She´s Leaving Home, lindísima canción,muy triste; When I´m 64, Paul se luce con esta pieza que suena muy antigua; Lucy In The Sky With Diamonds, Jhon y sus viajes psicodélicos; la mística hindú a cargo de George Harrison en Within You Without You; la sublime A Day In The Life en la cual intervinieron 40 músicos de orquesta y su resultado fue sobrepuesto 4 veces para dar la sensación que quedo plasmado en el disco.

En fin un rotundo clásico, soy muy jóven para dar una opinión sobre esta obra maestra pero no cabe la menor duda que esta entre mis álbumes favoritos. Un homenaje se emitirá a cargo de la cadena BBC por varios grupos de rock actuales en su cuadragésimo aniversario.

Aquí están algunos enlaces que especifiquen más detalles de esta obra:

• Historia de todas las canciones y sus créditos.

• Anécdotas de la grabación

• La parodias y homenajes

ME IMPORTAN LOS COJONES... AQUÍ ESTÁN LOS SEX PISTOLS!!

Con este escandaloso título de su único disco oficial prácticamente -respetado por unos y detestado por otros-, esta banda inglesa ratificó una convulsión sin precedentes entre la sociedad de su país a finales de los setenta, en representación de un nuevo movimiento que se puso en auge en esa época: el Punk en 1977. Aquí están los Sex Pistols!

Pero más importante que todo el alboroto que causarón, este álbum es altamente estimado por gran parte de la crítica, al igual que despreciado por otras personas a tal punto que han llegado a denominarle un “monumento a la mediocridad”.

De mi parte resalto su estridente sonido, violento, muy agresivo como producto de la irreverente voz de Johnny Rotten y su igual pesado acompañamiento musical de principalmente de Steve Jones en las guitarras y bajo (en casi todos los temas) y la bateria de Paul Cook. También colaboraron en el disco Sid Vicious y Glen Matlock con el bajo.

Una de las razones del disgusto de unos es su cuidadosa producción realizada por Chris Thomas que iba en contra de los arreglos simples que caracterizaban estos primeros discos Punk. Para mí este rasgo de agregar varios acordes de guitarras de Steve Jones, en medio de los temas, es lo que más me gusta en este disco.

Cada vez que lo escucho (es uno de los discos que estoy escuchando en esta temporada) siento como la revolución cultural corre por mis venas, sin importar su contenido lírico: la anarquía, la rebeldía y el rechazo al sistema se apoderan en mi cabeza por medio de los potentes audífonos que retumban en su nivel más alto de volumen.

Cabe decir que en este género musical y de esa etapa denominada la primera ola del Punk ,del que pertenecieron muchísimos grupos, apenas he escuchado a The ramones y The Clash, así que no tengo criterios para hablar del Punk.

En lo que sí están de acuerdo, tanto seguidores como detractores de la agrupación, es que sus integrantes no contaban con la suficiente técnica musical; pero aún así lograron grabar este álbum, y vaya qué resultado tan satisfactorio.

El mensaje que quiero dejar finalmente es que esta banda puede servir de referencia a las nuevas generaciones de músicos. No es necesario tener la virtud suficiente para crear buena música, sino lo que más vale son las ganas de hacerlo, rompiendo esquemas como le paso a los Sex Pistols, dejándose llevar por sus ideales musicales, experimentando, conociendo otros ritmos, etc.

AXL ROSE Y SU TRAJÍN POR "CHINESE DEMOCRACY"

Sin estar listo “Chinese Democracy”, el que “se cree” será el próximo trabajo de los reformados Guns ´N Roses, comandados por Axl Rose, ya hizo historia y no propiamente por su contenido: su prolongada grabación, mezclas y edición han superado hasta la fecha nada más que una década de duración -¡???!!- y unos años más así suene insólito y a la vez absurdo, sacando tan sólo hasta ahora más de una cana entre sus muy pacientes seguidores. Medidas tomadas por sus fans de esta espera que parece una total burla y situación del grupo en esta entrega.

“De nuevo aplazaron el lanzamiento de su nuevo disco”, cuántas veces habrán escuchado o leído los idólatras de Axl Rose con decepción este anuncio que, con el transcurrir de los años, parece mejor una payasada. La última vez fue a comienzos del pasado marzo cuando ansiaban el nuevo material, conociendo además un sencillo que se había colado en la radio de una de las canciones del disco: “Better”. En esa ocasión declaró Dizzy Reed, teclista del grupo, sin la más mínima vergüenza, que " ninguna de las canciones que se han filtrado han venido de la banda o nuestra organización, son nada más que demos o trabajos sin completar. No hay mezclas finales. Es realmente frustrante trabajar en algo tan duramente (...?) como hemos hecho y luego ser escampado por Internet antes de estar terminado. Oír una demo en la radio es una m*****". El último comunicado de la banda dice que en el 2008 esperan que salga publicado el disco....

¿En dónde queda el prestigio ganado por la banda original que a mi consideración marcó el renacer de un Hard Rock replanteado con muchos matices originales a finales de los ochenta y comienzos de los noventa? Como ejemplo quiero mencionar su brutal debut “Appetite for Destruction” de 1987 y sus extendiiiiiidísimos y no menos excitantes “Use Your Illusion I" y "Use Your Illusion II” de 1991.

De quienes tocaron tan inmensos álbumes sólo queda Axl Rose, lo que no le da derecho a dañar lo que sus ex compañeros como Slash e Izzy Stradlin aportaron en esos trabajos y jugar con sus seguidores de esa manera. Por su lado, los anteriores músicos de la banda original de los Guns N Roses formaron hace unos años Velvet Revolver con otro vocalista y están próximos a publicar su segundo trabajo que va salir en estos días mientras andan con sus esposas y en proceso de rehabilitamiento de gira por Sudamérica. En Colombia por un infortunio no van a estar.

Ahora bien, 13 millones de dólares se dice que Axl Rose ha invertido en gastos en la producción del disco, y simultáneamente con su banda se la ha pasado en conciertos a nivel mundial todos estos años, divulgando al público el nuevo material de la banda y tocando los clásicos de los anteriores Guns N Roses.

Como destino de promoción parece que van a estar en Brasil este año y por primera vez en Sudáfrica como cabeza de cartel de un festival de Rock, ahorita deben estar disfrutando del sol naciente para su presentación en Japón.

Por su parte, los seguidores de Axl Rose, cansados definitivamente, han optado hasta ahora por cancelar la Web dedicada a la banda estadounidense. También sacaron a la venta “Chinese Hypocrisy”, ya se imaginaràn lo que es...

Puedo entender la responsabilidad de un artista como Axl Rose de sacar un material decente a la altura de lo que hizo con sus anteriores compañeros, que escasea por no no decir que se extinguió en los últimos años, ¿pero vale la pena TANTA demora? Que falta de seriedad. Han habido grupos que en su momento de mayor `inspiración` por llamarlo de algún modo (4 a 6 meses) consiguieron discos grandiosos sin pensar en mayores pretensiones (o de pronto sí).

[En un comunicado posterior a esta publicación Slash dice que es a causa de problemas legales que no sale a venta este disco.No vuelvo a tratar este tema porque no me interesa. Slash era quien más me atraía en la banda y se separo de Axel Rose por diferencias musicales]

Para finalizar quiero dejarlos con el testimonio de un fanático colombiano de los Guns N Roses originales de su concierto en Colombia el 29 de noviembre de 1992.

ALGUNAS REFLEXIONES SOBRE EL ROCK

El pasado 29 de marzo tuve el gusto de asistir a la buena conferencia que se realizo en la Universidad Central, a cargo del estudiante Alejandro Bonilla: “Rock: del vinilo al Ipod”. En este post unas reflexiones sobre este género musical, fuente de inspiración de los más grandes músicos en la segunda mitad del siglo XX; si digo mentiras nómbrenme alguien más importante en esta faceta artística que David Bowie, Paul Mc Cartney, Jimi Hendrix, Freddy Mercury y Keith Moon, por decir los que se me acaban de venir en este instante a la cabeza.

Como verán se hablo de los más de 50 años que lleva esta tendencia musical, sus momentos más marcados a nivel universal. Antes de ello el conferencista se retomo unas décadas más atrás para explicar sus raíces, ah, y para entrar en ambiente, se tomo el trabajo de explicar, en rasgos generales, lo que consistía conformar una aceptable banda de rock (músicos, bases musicales, un buen productor, etc.).

Más trascendental que todo ello me pareció su propia contribución final entorno al Rock justamente: Recuerdo -debí haber tomado nota- que dijo algo así como que el Rock es por encima de un género musical una actitud, un estilo de vida, y que contrario al estigma -esto lo estoy definiendo yo así- creado por la sociedad ignorante y poco abierta de la cabeza, de persona mechuda y ropa negra que supuestamente identifica a un roquero, el amante del ROCK revalua lo que escucha es en la mente y no necesariamente en su apariencia física.

Desde este punto de vista, hizo énfasis Alejandro: “Un banquero que luce el mayor tiempo traje de etiqueta puede ser y a lo mejor es el rockero número uno del mundo”. Es verdad, espero haber sido claro con esta explicación (Y me postulo a esa competencia... Ha ha).

También tengo casi la certeza que menciono que en Colombia no se ha cultivado una cultura alrededor del Rock, sino que a los pocos que nos gusta este cuento nos encasillamos en un sólo subgénero del Rock, sin comprender que el Rock es algo más amplio y más variado.

Totalmente comparto ambos juicios de Alejandro, pero esta posición es la que asume el melómano como es mi caso. Si al otro lado, en donde se encuentra la creación que despierta sentimientos a los melómanos y sirve de guía a los mismos músicos, tuviera sus bases en lo que han hecho los pioneros del subgénero, seguramente habría algo bueno que escuchar de lo que se hiciera en la actualidad: Caso de los Rolling Stones o Eric Claptón que en un comienzo les atrajo el blues y se dedicaron a conocer y a tocar la música blues día y noche.

Puede ser muy atrevido la afirmación que hice, peco a lo mejor por ignorante, pero de lo poco que he visto en los principales canales de televisión musicales escucho la misma basura. Tengo la esperanza que lo comercial no indica lo mejor, sino que hay otras propuestas escondidas en el anonimato, que por el amor que tienen por la música están ayudando a salvaguardar el Rock así no se difundan masivamente.

Detrás de la genialidad del guitarrista Jeff Beck

A Jeff Beck poco le ha importado la admiración de la masa y la cultura de la música. Si fuera así se “boletiaría” a grabar con un reconocido artista actual como lo hizo Slash en estos días para ganar más fanáticos -además de la ganancia económica que esto representa-, o sacaría discos cada año como lo hace Eric Clapton. Este veterano músico inglés (nació en 1944 en Surrey) publica un álbum cada vez que le da la gana, muchos dicen que cuando deja su afición a los automóviles clásicos.

Su particular sensibilidad con las cuerdas de la guitarra eléctrica y su inusual forma de tocar distintos ritmos desde mediados de los sesenta le ha merecido el respeto por sus colegas al que tienen como referencia a la hora de su creatividad (ellos dicen sencillamente que "toca diferente"). Claro que dos temas de él son suficientes para adorarlo de por vida y rescatar su labor con la guitarra acústica: Greensleeves, canción instrumental ¡de menos de dos minutos de duración!!! y Love is Green, en el que realiza un soberbio overdub con una guitarra acústica y una guitarra eléctrica, demuestran su talento en esta faceta poco explorada, al punto que un amigo melómano, gran aficionado de su música (“gran” es poquito, casi una mentira para describirlo), manifiesta que “Jeff Beck deja pendiente al mundo del rock un álbum completamente acústico” (¡por solamente esos dos temas!!!).

El resto de material grabado (no lo conozco todo pero de lo que he escuchado) es eléctrico, y es muy complicado encasillar su género musical porque se ha caracterizado en tocar gran diversidad de estilos, luego de terminar sus estudios en la Escuela de Arte Wimbledon de Londres: Se puede decir que desde que formo parte de la banda The Yardbirds, en la que estaba Jimmy Page, empezó con sicodelía bluesera, luego hizo blues rock con Ron Stewart a finales de los sesenta, paso cinco años después a algo muy extraño que denominaron Jazz-fusión, y poco a poco, esporádicamente, fue incorporando sonidos electrónicos al punto que desde hace unos años experimenta con el techno y propone algo completamente nuevo en la música contemporánea.

A Jeff Beck se le atribuye junto a Jimi Hendrix (esta el dilema de quien fue primero) el espléndido y al mismo tiempo complicado -a quien lo ejecuta- el control del sonido del feedback o retroalimentador de la guitarra eléctrica. Una obra suya como Blow By Blow de 1975 no puede pasar desapercibida por su fineza secuencia artística y es suficiente para conocer su enorme capacidad recursiva con la guitarra eléctrica, de igual forma destaco Wired de 1976 y There and Back de 1980, aunque hay otras personas que admiran lo que hace hoy día.

Las tapas de sus discos lo delatan, lo único que quiere mostrarle al oyente es su música, lo que hace con ese instrumento y no caer en el espectáculo comercial. Quizá por ello su nombre pasa desapercibido en la actualidad, a tal punto que lo confundieron con otro músico llamado Beck. En este punto Jeff Beck no pudo tolerar eso y nombro su siguiente disco "Who else!" (y quién más puede ser!) en 1999 y, supongo, al del 2003 "Jeff" ya resignado.

Aerosmith, ¿rock o pop?

Ante la entrevista publicada en febrero en la revista `Uncut` a los dos líderes de la banda de Boston, Steven Tyler (vocalista) y Joe Perry (guitarra principal), en la que expresan su criterio sobre el mejor y peor álbum grabado por su banda, quiero en este post debatir el recorrido musical de esta banda, sus diferentes facetas en sus ya más de treinta años de permanencia en la industria musical .

En la actualidad, Aerosmith goza de una alta reputación por parte de las nuevas generaciones. Ha cosechado "grandes éxitos", principalmente desde finales de la década de los 80, que se han esparcido en todo el mundo debido en gran medida a la divulgación de sus vídeos en la cadena Mtv. Sin embargo, comparado a lo que hacían en sus comienzos, se puede denotar una clara diferencia: menos rockeros y enfocados más bien a componer canciones más aptas para un público más amplio, más comercial, más suaves, en últimas: pop. Me refiero a sus discos en estudio porque en contraste, en vivo, pareciera que no les pasara (a sus integrantes en la parte musical) los años. ¿En qué radica esta distinción que hago entre el rock y pop? Fue el tema de un interesante foro virtual al que me atreví -en mi humilde opinión, es en serio- a contestar lo siguiente:

"En el rock, pienso, se destaca el aporte de los músicos por encima de la melodía vocal que pasa a un segundo plano, aunque en ocasiones son interesantes las letras y la atmósfera conceptual de sus álbumes. Su interpretación despliega gran fuerza y la estructura es más compleja que el pop que se reduce a inicio- estribillo -otra parte- estribillo- estribillo. Los solos de guitarra juegan un papel clave en este género musical.

"Por otro lado el Pop, por lo que mencionaba de su estructura simple, es más comercial, son temas más livianos, así llegan a más gente. Para una clara diferencia se pueden retomar a la repetición del reality de "Supernova" en el que se hacia evidente este dilema cuando el jurado (los miembros de la banda: Tommy Lee, Gilby Clarke, etc) notaba que el (o la) concursante era apto para su banda de rock o más bien debía dedicarse a cantar pop.

Cuando me refiero a que ahora hacen pop, quiero traer como ejemplo estas baladas de las últimas décadas, entre muchas otras: I Don`t Wanna Miss a Thing (su más grande hit que curiosamente no fue compuesto por ellos y en la que el aporte de Perry aquí es creo que nulo), Cryin`, Angel, Crazy. Aquí vale la pena la sugerencia de un participante del foro de remitirse a la Enciclopedia virtual de Wikipedia para entender mejor estos dos géneros musicales.

Ahora bien, Aerosmith ha pasado por tantas etapas de la música, tantos problemas internos a raíz de las drogas y el alcohol en su primera década...; hoy ya todos en sano juicio, Steven Tyler incluso, inclinado fervorosamente a la parte espiritual, reflexiona sobre la carrera del quinteto: "¿Si ha cambiado mucho Aerosmith desde que empezamos hace 30 años? Es diferente y aún así no tan diferente. Empezamos queriendo ser como Janis Joplin, bebiendo Jack Daniels en el escenario y cantando dejándonos el *&+*·. Entonces te haces famoso y es un puto milagro pero tu ego se flipa y todo se convierte en secundario al lado de la banda por la simple razón de que no tendrías nada si no fuese por la banda. Ahora tenemos familias y, por supuesto, las familias van primero. Pero si un familiar fallece y tenemos que hacer un concierto, el concierto se hace y lidiamos con lo otro luego".

En cuanto a la pregunta sobre los mejores y los peores discos de la agrupación americana, Steven Tyler manifestó: "Serían 'Toys In The Attic' (1975) o 'Rocks' (1976). También 'Pump' es bastante maravilloso,"..."Hay unos pocos álbumes de Aerosmith que he elegido no recordar nunca más. Pero lo peor sería alguno de esos muchos 'Grandes éxitos' que la compañía discográfica sacó en los 90 sin nuestro permiso cuando deberíamos haber estado más centrados en la jugada pero bueno, ejem, estábamos ocupados.".

Por su parte, Joe Perry dijo: "el peor fue 'Done With Mirrors' (1985). En ese momento, intentábamos hacer un álbum que fuese un poquito de los antiguos Aerosmith y hacia donde queríamos ir. Esas canciones no estaban completamente faltas de inspiración pero poco aportaron. Ese debió ser nuestro disco más flojo. El más fuerte diría que es 'Get A Grip' (1999). Da la sensación de ser un punto culminante donde nos dimos cuenta de nuestro potencial y lo pusimos ahí, a la vista. No me sorprende que canciones como 'Eat The Rich' y 'Livin On The Edge' hayan sobrevivido el paso del tiempo."

Concuerdo con Tyler a pesar de pertenecer a esta generación que creció con ellos en el colegio escuchando sus últimos éxitos: "Toys in the Attic" y "Rocks", de mediados de los setenta, contienen una fuerza rockera apabullante, no igualada después si estamos hablando que empezaron haciendo Hard Rock. Las dos guitarras en ambos discos (Joe Perry con sus solos y Brad Whitford en la guitarra rítmica) y la voz de Steven Tyler (que como frontman lo considero uno de los mejores de todos los tiempos) tienen una energía desmesurada; sobresalen sus canciones Walk This Way, Last Child, Sweet Emotion, Back in the Saddle, TODAS para no citarlas una por una.

De igual manera los seguidores de la legendaria banda de Hard Rock en los setentas empezaron a notar un cambio a finales de los ochenta y se apartaron de su música. La crítica de la revista Rolling Stone ubica ambos discos grabados a mediados de los setenta (del 75 y 76 respectivamente) entre los 500 mejores de todos los tiempos.

Finalmente vale interrogarse si viraron al pop por fines comerciales sacrificando su buen Hard Rock de sus comienzos o si más bien se les acabo esa energía caracterizada de sus primeros años; aunque Joe Perry me parece un extraordinario guitarrista y no creo que su talento haya desaparecido a pesar de los cambios musicales de la banda, ejemplo de ello es que publicó un disco hace unos años en solitario (he escuchado buenos comentarios sobre éste). Por último, noticias de Aerosmith: se va a presentar en Argentina el próximo mes, es la segunda vez que visita este país.

Roger Waters, ex Pink Floyd, presenta “The Dark Side of the Moon” en Bogotá.

El encuentro es el 9 de marzo. Remembranza de esta magnífica obra musical que llevo a la legendaria banda de rock progresivo de Pink Floyd a la fama mundial. Además, un perfil de este artista, su pensamiento que quedo plasmado en los trabajos musicales grabados tanto con la agrupación británica como luego en su carrera en solitario.

Fue tal el éxito comercial del álbum The Dark Side of the Moon cuando salio a la venta, el 17 de marzo de 1973, que permaneció por 15 años consecutivos en el Top 200 de la Billboard de los discos más vendidos, cifra que seguramente los de Pink Floyd, forjadores del proyecto, ni siquiera se imaginaban. Esto le amerito un record Guiness por ser el primer trabajo en alcanzar esta perdurabilidad; luego, con las reediciones posteriores remasterizadas y con la novedad de escucharlo en CD, siguió ganando adeptos en las posteriores generaciones. Ahora Roger Waters, uno de los creadores del disco, lo trae al país en vista de su gira mundial denominada The Dark Side Of The Moonu Live - Plus Other Well Known Songs. ¿Qué hace tan especial esta obra, entonces?

Para empezar es una obra conceptual que refleja el dilema de las angustias del sujeto moderno entorno al capitalismo, en medio de una riqueza sonora mejorada por los distintos efectos de sonido, instrumentos electrónicos y la música de los cuatro integrantes de la banda, alcanzando una armonía holística indiscutible, gracias a los arreglos finales del ingeniero Alan Parsons en la edición del mismo que utilizo un innovador equipo para la época de 16 pistas para las grabaciones y mezclas.

Cabe resaltar el aporte vocal (¡improvisado!!!) de Clare Torry en The Great Gig in the Sky con un acompañamiento impecable de Richard Right en el piano, las distintas voces de las cantantes que sirven de coro en varios temas y los dos solos del saxofonista Dick Parry, dándole variedad al disco sin caer en la saturación musical. Destaco muy especialmente la labor de David Gilmour con la guitarra eléctrica en ¨Money”, considerando que es el punto más sobresaliente del disco; asimismo el cierre es magistral del concepto del álbum, autoría completa de Roger Waters. De principio a fin The Dark Side Of The Moon consigue enganchar al oyente por la cuidadosa y correcta continuidad de los temas.

Este disco particularmente demuestra la visión de Waters inconforme del mundo consumista de hoy en que el trabajo se convierte en una presión sicológica (“Breathe”), la ambición del dinero (“Money”, aunque cantada de forma sarcástica por Gilmour de verdad en eese entonces querían tener mucho dinero) en una estrategia de éxito personal, y la locura (”Brain Damage”) como resultado de toda esta tensión a la que nos vemos sometidos las sociedades en el sistema capitalista. Invito a que consulten esta dirección para más información del disco como la explicación de la carátula y otras curiosidades: file:///F:/PINK%20FLOYD/DARK%20SIDE%20OF%20THE%20MOON/portadas%20ediciones%20posteriores.htm

Waters y el desvanecimiento de la carrera musical de los cuatro músicos

Roger Waters concibió la idea de este álbum y se encargaría en su totalidad de la parte compositiva en los siguientes trabajos de la banda, hasta su partida en 1985 por diferencias musicales con los demás integrantes de la banda. Cabe resaltar que Waters siempre estuvo en la formación interpretando el bajo, pero luego de la salida inesperada de Syd Barret en 1968, líder del grupo en ese entonces, Waters fue tomando, con el transcurrir de los años, la conducción en la parte compositiva; Dark Side of The Moon es el primer resplandor del futuro rompimiento de la banda por diferencias musicales de Waters con los demás integrantes.

Sin embargo su salida sólo represento que Pink Floyd era una auténtica banda de rock, debido a que el trabajo de cada uno de los cuatro músicos era fundamental para la creación artística del grupo: Waters enfocado en la composición y Gilmour que dirigía la parte musical. Ni Gilmour, Mason y Right lograron alzar vuelo después, a la vez que tampoco la carrera solitaria de Waters fue reconocida como cuando estaba con Pink Floyd.

Con respecto a Roger Waters, existen dos experiencias de su infancia que sirvieron como marco inspirador de sus letras en su futuro: la muerte de su padre en la segunda guerra mundial cuando Waters apenas tenía unos meses de edad, hecho que el músico considero “un sacrificio”; por otro lado, la separación de su amigo Syd Barret por problemas mentales ocasionados por las drogas. Se habían conocido en el colegio de Cambridge y fueron ambos fundadores de Pink Floyd

El primer acontecimiento llevó a que Waters en su adolescencia emprendiera una campaña anti-bélica y se vinculará con una asociación que iba a favor del desarme nuclear en plena guerra fría. En álbumes como The Wall y The Final Cut, los últimos grabados con Pink Floyd, contará lo absurdo que son las guerras.

Sobre su gran amigo Syd Barret, en Dark Side of the Moon hay una canción que toca el tema de la locura (“Brain Damage”) y en futuros trabajos abordaría lo que compartieron juntos, Wish You Were Here (“Ojalá estuvieras aquí”), trabajo posterior de 1975 es un homenaje a su amigo y colega:

SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND (PART ONE)

SIGUE BRILLANDO DIAMANTE LOCO (PRIMERA PARTE)

Remember when you were young, 

You shone like the sun. 

Shine on you crazy diamond. 

Now there's a look in your eyes, 

Like black holes in the sky 

Shine on you crazy diamond. 

You were caught in the cross fire, 

Of childhood and stardom 

Blown on the steel breeze 

Come on you target for faraway laughter, 

Come on you stranger,you legend,youmartyr, 

and shine!. 

You reached for the secret too soon 

And you cried for the moon. 

Shine on you crazy diamond. 

Threatened by shadows at night, 

And exposed in the light. 

Shine on you crazy diamond. 

Well you wore out your welcome 

With random precision 

Rode on the steel breeze, 

Come on you raver, you seer of visions, 

Come on you painter, you piper, you prisioner, 

and shine!

Recuerda cuando eras joven 

Brillabas como el sol. 

Sigue brillando, diamante loco. 

Ahora hay una mirada en tus ojos, 

Como agujeros negros en el cielo.

Sigue brillando, diamante loco. 

Quedaste atrapado en el fuego cruzado

De la niñez y el estrellato

Levado por la brisa de acero

Adelante, tú, objetivo de risas lejanas

Adelante, tú, leyenda, tú, mártir,

y ¡brilla!.

Perseguiste el secreto demasiado pronto

Y lloraste por la luna

Sigue brillando, diamante loco.

Amenazado por las sombras de la noche

E indefenso en la luz.

Sigue brillando, diamante loco.

Dejaste de ser el bienvenido

Con precisión aleatoria

Cabalgando la brisa de acero.

Adelante, tú, loco delirante y visionario

Adelante, tú, pintor, tú, gaitero, tú, prisionero,

y ¡brilla!.

http://orthon.webcindario.com/LETRAS.htm

Su gira

Un aspecto que ha caracterizado a Pink floyd en vivo ha sido el montaje escenico de sus presentaciones. Fueron pioneros en proyectar vídeos que servían de soporte a su música sicodélica y se siguen arriesgando a transmitir en directo los efectos que hay en sus discos, maquillado con luces que dan una sensación fantástica, “espacial” como hace alusión su música.

En esta ocasión Roger Waters, según tuboleta, organizador del evento, “utilizara elaboradas vídeo proyecciones de gran escala, una teatral puesta en escena y una serie deslumbrante de efectos especiales para subrayar y acentuar el poder de la música que es entregada vía un sistema de sonido envolvente 360º que utiliza las últimas innovaciones tecnológicas y que sumerge a la audiencia en un hipermundo tridimensional”. Según los asistentes que han asistido esta gira que he consultado en Internet, el show es similar al de la gira de Pink Floyd en los 90, P.U.L.S.E., que en lo personal me dejo sin palabras, no he visto nada igual.

Todavía hay venta de boletas, anímense, disculpen la redacción final pero estoy sobre el tiempo de la entrega… los dejo con una nota de su última presentación en Berlín el año pasado.